bRog - o blog do Raul Mourão

BARRÃO no Aldrich Contemporary Art Museum

2012-01-25T10:41:00.001-02:00

O nosso genial Barrão inaugura sua primeira exposição individual nos EstadosUnidos no próximo domingo. A estréia do rapaz acontece sob curadoria de Mónica Ramírez-Montagut no Aldrich Contemporary Art Museum. MASHUPS é o nome da exposição. No mesmo dia inauguram também a gaucha Regina Silveira, Xu Bing (China), Kathryn Spence (San Francisco USA), Roy McMakin (Wyoming USA) e Jim Dingilian.

No site do museu tem mais informações sobre as exposições.

Barrão: Mashups

January 29 to June 10, 2012

Reception: January 29, 2012
Curator: Mónica Ramírez-Montagut

This is the US first solo exhibition of the work of Brazilian artist Barrão, who is known for his whimsical and quite bizarre ceramic clusters and mashups made from fragments of popular vitreous porcelain and clay objects. The artist scouts second-hand stores, flea markets, and dumpsters in search of materials for sculptures that subvert the original function or idea of the object in order to reveal unpredictable relationships, ranging from unexpected similarities to unseemly contradictions. The free-spirited juxtaposition of the different ceramic sources establishes new sets of relationships between the parts. Every element in the sculpture is free from its previous function and comes together with the other parts to form a new identity, one that escapes immediate commodification. With his sculptures, Barrão appropriates everyday domestic objects that were used indiscriminately and inserts them back into circulation with an ample balance of presence and mystery—and a history yet to be written.

A maior escultura da Terra

2012-01-03T00:06:00.002-02:00

Saiu hoje no segundo caderno a entrevista abaixo com Christo q eu peguei la no site do Globo.

Os artistas Christo e Jeanne-Claude foto: Wolfgang Volz / Divulgação

RIO - Aos 76 anos de idade e viúvo há dois, o artista americano de origem búlgara Christo Javacheff trabalha para erguer em Abu Dhabi, nos Emirados Árabes, aquela que, segundo diz, será "a maior e provavelmente a mais cara escultura da Terra". "The Mastaba", estrutura que se resume a uma pilha de barris de petróleo com 150 metros de altura e que foi idealizada em 1977 com a ajuda de sua mulher, Jeanne-Claude Denat (1935-2009), está perto de sair do papel. Valores ele não cita, mas afirma já ter petrodólares suficientes (conseguidos com a venda dos desenhos do projeto). Só aguarda autorização oficial para começar. Enquanto disso, Christo obteve sinal verde do governo americano para cobrir 60 quilômetros de um rio no Colorado, com a instalação "Over the river" — outro sonho de sua mulher, engavetado desde 1985. Ao GLOBO, o artista fala de sua rotina solitária e atri$e diz que não vem ao Brasil porque aqui não compram sua arte.

O senhor idealizou "The Mastaba" em 1977 para ser "a maior escultura da Terra". Ela sai? Como ficou o projeto?

Chisto: Estou muito, muito, muito otimista com "The Mastaba". Está num estágio superavançado. Acabo de chegar de Abu Dhabi, onde me reuni com nossos engenheiros e com representantes do governo local para conseguir as autorizações que ainda nos faltam. Estou muito animado. Vem aí não só a maior escultura do planeta como aquela que provavelmente também será a mais cara. Serão 410 mil barris de petróleo coloridos e empilhados horizontalmente, formando uma estrutura de mais de 150 metros de altura — mais alta do que a pirâmide de Quéops (Egito).

E quantos petrodólares custará?

Alguns (risos), mas ainda não posso falar disso. O que posso dizer é que, como em nossos outros projetos, não haverá patrocínio. É dinheiro nosso, obtido com a venda de desenhos e esboços que sempre fazemos.

Mas a ideia é desmontar "The Mastaba" depois de duas ou três semanas, como foi feito com os outros projetos?

Não. Não! "The Mastaba" não será desfeito. Se Jeanne-Claude estivesse viva, diria que não há nada que dure para sempre, mas neste caso acho que vai durar sim.

O senhor toca outro projeto simultaneamente a "The Mastaba", certo?

É o "Over the river", que começou em 1992 e só agora obteve a autorização do governo americano. Vamos cobrir 62 quilômetros do rio Arkansas, no Colorado, com um tecido translúcido prateado. Pela primeira vez na História, o Ministério do Interior emitiu um relatório de impacto ambiental para uma obra de arte. São mais de 1.600 páginas.

Tem data para ficar pronto?

Na melhor das hipóteses, em 2014. Fica no alto das Montanhas Rochosas, e ainda precisamos da autorização de dois condados.

Eles podem não dar?

Não. Só têm que processar os papéis do ministério. "Over the river" sai de qualquer jeito.

Em 50 anos, foram 22 projetos. Deles, só existem fotos...

Isso é exatamente o que torna nossa obra única. Proporcionamos momentos pontuais que lembram, ao mundo que tudo copia, que as coisas são efêmeras. Queremos propiciar momentos singulares, e isso desperta a curiosidade de muita gente. Não haverá outro Reichstag ou outra Pont Neuf embrulhados...

Por que não há patrocínio?

Porque queremos liberdade total. Nenhuma empresa pode comprar nossas ideias, e todas as imagens de nossos projetos têm registro de patente e direito autoral. Apesar de tentarem por aí, não podem ser exploradas.

Tentam?

Sim. Processamos várias empresas pelo uso de fotos de nossas instalações. Quando alugamos um lugar, tomamos todos os cuidados para impedir que ele sirva a outros propósitos comerciais. Quando fomos ao Reichstag, alugamos tudo num raio de um quilômetro. Quando pagamos US$ 3 milhões para usar o Central Park, nenhum evento poderia acontecer lá ao mesmo tempo. O parque era nossa propriedade.

Como é ser dono do Central Park, da Pont Neuf...?

Dá muito trabalho (risos). Somos responsáveis por limpeza, segurança, retirada de neve... Por isso, 15 dias é o tempo ideal para uma instalação.

Algum projeto deu errado?

Tivemos duas mortes no "The umbrellas". Uma sombrinha voou e matou uma mulher na Califórnia. No Japão, um dos 2.200 funcionários foi eletrocutado.

Por que tecidos? Como escolhe as cores de seus trabalhos?

Os tecidos interagem bem com o vento, são sensuais. Escolhemos as cores depois de fazer testes no local, por isso elas nunca aparecem nos esboços.

O senhor ainda fala na primeira pessoa do plural...

Os dois projetos em que trabalho hoje em dia são de Jeanne-Claude também. Tudo ao meu redor é dela também...

Desde que ficou viúvo, teve novas ideias de instalações?

Não tenho condições de pensar em mais nada. "The Mastaba" e "Over the river" sugam uma quantidade enorme de energia e dinheiro.

Nada para o Brasil?

Não. Só vou a lugares que pagam pela minha arte, quer dizer, onde consigo vender desenhos e bancar meus projetos. Já tentei levar exposições ao Brasil, mas sempre me alegaram falta $dinheiro. Aos 76 anos, não gasto nem um minuto com o que não é arte. Não tenho relação com o público de arte daí e acho que nenhum museu tem trabalhos meus.

O senhor volta ao local em que fez instalações? Como é?

Em 2007, fomos à Austrália. Do alto dos penhascos que havíamos coberto, vendo tubarões no mar, Jeanne-Claude resumiu tudo: "É, estávamos loucos."

STONES_WARHOL_1969

2012-01-02T19:21:00.000-02:00

PLANO-ACASO

2011-12-29T14:37:00.002-02:00

Plano Acaso from Raul Mourão on Vimeo.

Ateliê hoje

2011-12-28T19:31:00.001-02:00

Invista no Museu de Arte Moderna do Rio

2011-12-19T13:57:00.000-02:00

(A)mar(é)complexo

2011-12-19T13:53:00.000-02:00

A exposição Travessias - arte contemporânea na Maré (q acabou ontem) saiu no BLOGUE da Alexandra Lucas Coelho lá no Público.

1. Milhares de carros avançam pela Avenida Brasil, saindo do Rio. Por cima deles, presa a uma passadeira aérea, a legenda: “Amarécomplexo”. Milhares de carros avançam pela Avenida Brasil, entrando no Rio. Por cima deles, presa a uma passadeira aérea, a legenda: “Amarésimples”.

2. A Avenida Brasil é a grande porta do Rio de Janeiro. Milhares de carros a toda a hora, muitas horas parados. De um lado e do outro, quilómetros de velhas fábricas, armazéns, baldios, favelas. A favela da Maré. O complexo de favelas da Maré.

Há não muito tempo a Baía da Guanabara vinha até aqui. Muita da terra firme do Rio é aterro. A Maré chama-se Maré porque a favela ainda apareceu à beira da água, com gente de muitas partes. Segundo o último censo, hoje são 130 mil. Uma maré plana e parda, atravessada por vias rápidas de onde não se vêem caras. Quem vem de carro olha em frente. Mas nas últimas semanas, ao olhar em frente, vê a legenda: “Amarécomplexo”, “Amarésimples”.

3. — Isso é a obra do Marcos Chaves — diz o meu anfitrião, apontando a passadeira aérea.

O carro dá a volta para sair da avenida e entrar na favela. Logo no primeiro quarteirão funciona o Centro de Artes da Maré, um armazém onde há três anos a coreógrafa Lia Rodrigues trabalha em parceria com a organização Redes e o Observatório de Favelas.

Mesmo ao lado, há uma antiga fábrica que o Observatório de Favelas decidiu comprar para um novo projecto artístico, o Bela Maré. E para a estreia, convidou três curadores a organizar uma exposição de arte contemporânea, Daniela Labra, Luísa Duarte e o meu anfitrião nesta tarde de chuva, Frederico Coelho.

4. Entre dar aulas de literatura na faculdade (de Pêro Vaz de Caminha a Luiz Ruffato), organizar livros (o último, entrevistas de Tom Jobim), fazer argumentos de cinema (“Construção”, estreado na recente Mostra de São Paulo), escrever ensaios sobre cultura marginal dos anos 60 e 70 (Hélio Oiticica e por aí fora), ser DJ da Festa Phunk (“black music” e por aí fora) e jovem pai de duas gémeas, o Fred faz tantas coisas que esta não é a primeira nem será a última vez que abrevio o nome dele numa crónica.

Veio do subúrbio para a Zona Sul, o que lhe deu um mundo que falta à Zona Sul. Está em casa em toda a parte, e isso tem tudo a ver com arte contemporânea na Maré. Fazer do fora o dentro, do dentro o fora, de qualquer lugar o centro.

5. A chapinhar na chuva de Verão, chegamos à velha fábrica. “Travessias: Arte na Maré”, diz a fachada. À entrada, vários monitores de t-shirt amarela, uns de fora, outros da favela. Desde a inauguração houve ateliers, debates, visitas de escolas, e as perguntas de quem nunca entrou num espaço assim.

— A primeira pergunta que eles fazem é: “Paga para entrar?” — conta Fred. — E isso diz tudo: “Isso aqui não pode ser de graça para a gente.”

Avançamos para o centro do armazém, pé direito de três andares.

— Quando a gente chegou, estava atulhado de máquinas, de lixo. E não há no Rio de Janeiro um espaço desse tamanho a funcionar com arte contemporânea.

A um canto, uma projecção dos Filé de Peixe, um trio que recolhe fragmentos de videoarte, monta uma banca ambulante e vende os CD’s a dois ou três reais. Arte a dar a volta à pirataria.

Ao centro, uma escultura de André Komatsu com tijolos e tábuas, evocando os materiais e a instabilidade da favela. Ao ver isto, uma moradora viu as velhas barracas da Maré assentes em palafitas, quando por baixo havia água.

Ao fundo está a memória não só da fábrica como da infância dos cariocas. Porque a fábrica que aqui existiu entre 1960 e 2000, a Italy, fazia os copos e pratos de papel estampado que todos os cariocas reconhecem de festas, confeitarias e restaurantes. A artista Rochelle Costi ainda achou todo um espólio, então fez uma parede com fotografias e uma sala com mobiles de copos e pratos.

E mesmo Fred, que tantas vezes já viu isto, ao levantar os olhos para o mobile por cima da nossa cabeça vê pela primeira vez as estampas de São Cosme Damião.

— No subúrbio é uma tradição. No dia 27 de Setembro, as famílias compram doces e distribuem entre as crianças. Um Halloween do Brasil. Na minha infância isso era obrigatório porque era o aniversário da minha avó. Ela tinha sempre uma mesa cheia de doces e convidava as crianças da rua.

Uma rua em Olaria, do outro lado da Avenida Brasil.

6. E há uma sala só com cor e som, onde as crianças da favela fazem de si próprias a projecção.

E do primeiro andar pende o jardim de cores que são centenas de garrafas de refrigerante cheias de detergente colorido, porque há um morador da favela que as recicla, enche e vende, então a dupla de artistas Eli Sudbrack/Christophe Hamaide-Pierson encomendou-lhe centenas, que vão rodando, à medida que os visitantes trazem uma vazia e levam uma cheia.

E no pátio interno Henrique Oliveira ergueu uma escultura tão extraordinária que num primeiro momento podemos ver nela um altar com uma Pietá, antes de vermos a espuma, o zinco, o gesso, a areia, restos que ele colheu pela favela e com os quais foi moldando a parede, como se a matéria viesse do próprio edifício, uma cabeça aberta, uma barriga aberta, vísceras. Ele chama-lhe um abcesso. A chuva já o modificou, e não para. David Cronenberg ia adorar.

7. Quem percorrer listas de exposições na imprensa do Rio não achará esta.

— Porque a gente não está falando de violência, de pobreza, não tem baile funk, não tem capoeira — comenta Fred, apontando a escultura no pátio. — Mas esse cara não pensou se o pessoal da Maré ia entender. Ele fez o melhor que podia.

Tal como Raul Mourão, que no armazém ao lado montou três gigantescas esculturas cinéticas, aquilo a que ele chama “balanços”, uma estrutura de ferro encaixada noutra, de forma a que uma delas balance.

Fred vai de uma para a outra, empurrando a parte que balança. Todo o armazém parece ficar em movimento.

— Obviamente que no dia da inauguração dezenas de crianças se penduraram aqui.

Mourão tem feito muitos “balanços”, mas até agora nenhum com tamanho de avião num hangar. Aqui teve espaço, e quem viu viu.

8. Ao todo, a exposição reúne 17 artistas ou colectivos. Em alguns casos, obras que foram performances, outras que estão fora daqui, na rua. O que está na rua sujeita-se a todas as apropriações. Foi o que aconteceu com a peça de Matheus Rocha Pitta, um velho ônibus, estacionado aqui em frente. Ele encheu-o com tijolos, areia, objectos inanimados.

— De noite a galera vem aqui e faz tudo — diz Fred, subindo a bordo.

Por exemplo fumar “crack”. No banco do fundo há roupa amarrotada, mochilas velhas, pratas, papéis de coca.

Estamos na Maré, não deixámos de estar. A cem metros daqui há uma “boca de fumo” a vender droga, e mais adiante tráfico armado. A Maré é a próxima na programação da polícia carioca. O próprio BOPE, que é a tropa de elite, vai instalar-se cá.

9. Para voltar à cidade, atravessamos a passadeira aérea por cima da Avenida Brasil. A legenda continua ali para todos, acima do trânsito entre fora e dentro: “Amarécomplexo”, “Amarésimples”. Nada é nunca uma coisa só.

12a Quadrienal de Praga em SP

2011-12-19T13:26:00.002-02:00

Carlito na Laura

2011-12-12T18:51:00.002-02:00

VERGARA e AUTOMATICA lançam livro

2011-12-06T19:05:00.002-02:00

Nesta quinta-feira, dia 8 de dezembro, às 19h, na Livraria da Travessa, no Shopping Leblon, no Rio de Janeiro, e no dia 17 de dezembro, às 11h, na Livraria da Vila, na Alameda Lorena, em São Paulo, será lançado o livro “Carlos Vergara – Pintura” (Automatica Edições). Organizado pelo crítico de arte Paulo Sergio Duarte, o livro cobre 50 anos do trabalho de pintura de Carlos Vergara e comemora os 70 anos do artista. No dia do lançamento no Rio de Janeiro, haverá uma mesa-redonda com a participação de Carlos Vergara, Luis Camillo Osório e Paulo Sergio Duarte. No lançamento em São Paulo, estarão presentes o artista e Paulo Sérgio Duarte.

Paulo Sergio Duarte recolheu textos com diferentes abordagens para a pintura de Vergara publicados em catálogos e livros assinados por críticos como Luiz Camillo Osorio, Ronaldo Brito, Rodrigo Naves, Reynaldo Roels Jr., Alberto Tassinari, Paulo Venancio Filho e Gloria Ferreira, além dele próprio e do artista Helio Oiticica. O livro conterá ainda uma conversa realizada entre Carlos Vergara, Paulo Sergio Duarte, Paulo Venancio Filho, Ronaldo Brito e Tunga, publicada no catálogo da exposição do artista no Palácio das Artes, em Belo Horizonte, em 1991. “Carlos Vergara – Pinturas” terá 246 páginas, formato 24cm x 26cm com capa dura, texto bilíngüe (português/inglês), e uma tiragem de três mil exemplares.

mais Travessias – Arte contemporânea na Maré

2011-12-06T10:28:00.000-02:00

O sábado lá na Bela Maré será assim:

17H-19H

Mesa com a participação dos artistas: Lucia Koch, Raul Mourão e Marcelo Cidade

Mediação: Frederico Coelho

20H

Show com Chelpa Ferro

(peguei lá na programação do site do Travessias)

Abaixo algumas fotos que Quito fez na terça passada, quando estivemos lá com Beto para arremates nas Setas de Rua e documentação das 3 esculturas na luz da manhã.

Lula para presidente

2011-12-02T16:42:00.000-02:00

Daisy Xavier no MAM Rio

2011-11-30T19:18:00.000-02:00

Seta de Rua na exposição Travessias - arte na Maré

2011-11-30T19:11:00.000-02:00

Balanço Maré na exposição Travessias

2011-11-28T20:52:00.000-02:00

Foto da Patrícia Gouvea q eu catei no Facebook dela. Vista geral do Galpão onde funcionará a escola de dança Lia Rodrigues, em primeiro plano a escultura Balanço Maré 2 (para Bela e Lia).

Novas Frequências no Oi Futuro - Ipanema

2011-11-28T13:11:00.000-02:00

vendas somente na bilheteria do Oi Futuro Ipanema.

Informações: (21) 3201-3010
Funcionamento da Bilheteria:
De terça a sexta, das 15h às 21h
Sábados e domingos das 14h às 20h

Oi Futuro Ipanema
Rua Visconde de Pirajá, 54/ 3º andar – Ipanema
Capacidade: 130 lugares

Luiza Baldan e Fred Coelho na Mercedes Viegas

2011-11-27T11:47:00.000-02:00

JOÃO MODÉ prorrogado até 3/12 na Gentil Carioca

2011-11-27T11:43:00.001-02:00

MERIDIANOS > Julio Le Parc + Iole de Freitas

2011-11-27T11:04:00.000-02:00

A Casa Daros, em parceria com CCBB RJ, MAM Rio e Oi Futuro, tem o prazer de convidar para o último encontro do Meridianos neste ano, que reunirá Julio Le Parc (Argentina), um dos mais importantes artistas cinéticos do mundo, e Iole de Freitas (Brasil). O programa é um ciclo de debates públicos que vem ocorrendo ao longo de 2011 entre artistas representados pela coleção Daros Latinamerica. Saiba mais sobre a programação em

www.casadaros.net

29.novembro.2011 / às 18h30

Local: CCBB Rio - Teatro I

Endereço: Rua Primeiro de Março, 66 - Centro / Rio de Janeiro

Entrada franca (inscrição pelo email meridianos@casadaros.net)

Marcos Chaves :: Pieces na Galeria Nara Roesler

2011-11-22T01:00:00.000-02:00

Travessias – Arte contemporânea na Maré / convite

2011-11-22T00:47:00.000-02:00

Travessias – Arte contemporânea na Maré

2011-11-19T14:02:00.000-02:00

Exposição, intervenções urbanas, vídeos, performances, oficinas, palestras e festas na favela da Maré

Artistas Alexandre Sá, André Komatsu, Chelpa Ferro, Eli Sudbrack (AVAF) Emmanuel Nassar, Filé de Peixe, Henrique Oliveira, Lucia Koch, Marcelo Cidade, Marcos Chaves, Matheus Rocha Pitta, Michel Groisman, Raul Mourão, Ricardo Carioba, Rochelle Costi, Coletivo Pandilla Fotográfica e Davi Marcos.

Galpão Bela Maré e Centro das Artes

Rua Bitencourt Sampaio 169, Ramos

(próximo à Av Brasil, entre as passarelas 9 e 10)

Abertura: 26 de novembro de 2011, sábado, às 16h

Até 18 de dezembro de 2011

Curadoria: Daniela Labra, Fred Coelho e Luisa Duarte

Realização: Observatório de Favelas, Espiral e

Automatica

Patrocínio: Petrobras e

Secretaria de Cultura do Estado do Rio de Janeiro

(Lei do ICMS)

A partir do dia 26 de novembro, e até 18 de dezembro de 2011, será realizado o projeto “Travessias”, que apresentará no Galpão Bela Maré, em Nova Holanda na Maré, e ruas adjacentes, trabalhos criados especialmente para este projeto pelos artistas Alexandre Sá, André Komatsu, Chelpa Ferro (Luiz Zerbini, Barrão e Sergio Mekler), Eli Sudbrack (AVAF), Emmanuel Nassar, Filé de Peixe (Alex Topini, Fernanda Antoun e Felipe Cataldo), Henrique Oliveira, Lucia Koch, Marcelo Cidade, Marcos Chaves, Matheus Rocha Pitta, Michel Groisman, Raul Mourão, Ricardo Carioba, Rochelle Costi, Coletivo Pandilla Fotográfica e Davi Marcos.

Iniciativa do Observatório de Favelas, que comemora dez anos de atividades, o projeto “Travessias” tem curadoria de Daniela Labra, Fred Coelho e Luisa Duarte, e patrocínio da Petrobras e Secretaria de Cultura do Estado do Rio de Janeiro, via Lei do ICMS. “Travessias” é a primeira atividade do Galpão Bela Maré, que se propõe a ser um centro cultural dedicado às artes visuais na região. Além do Observatório de Favelas, o “Travessias” é uma realização da Espiral, com direção executiva de Letícia Monte, e da Automatica, com coordenação geral de Luiza Mello.

Abaixo algumas fotos q eu fiz na primeira visita ao Observatório/Galpão Bela Maré, quinta, 8 de setembro.

O Parque do Alemão

2011-11-19T09:03:00.002-02:00

Parque 28 de novembro é um projeto que estou desenvolvendo com os arquitetos Pedro Rivera e Pedro Évora (RUA-LAB arquitetura) para a região do Complexo do Alemão. O convite partiu do secretário de segurança José Mariano Beltrame em agosto último.

O parque é uma imensa área verde com intervenções de arte e arquitetura que criam espaços de cultura, lazer, esporte e educação ambiental. E isso é tudo o q eu posso adiantar sobre o projeto no momento...

As ilustrações abaixo sairam hoje na coluna do Ancelmo Gois no Globo (veja aqui online).

Meia quadra de basquete (suspensa sobre caixa d'agua já existente) - fotomontagem RUALAB

Praça das esculturas - fotomontagem Quito

Site Bela Maré - participe

2011-11-18T07:00:00.000-02:00

visite o site pra conhecer mais sobre o projeto do galpão Bela Maré.

Outros estudos para Bela Maré - exposição Travessias

2011-11-17T18:50:00.000-02:00

Estudos para Bela Maré - exposição Travessias

2011-11-16T19:46:00.000-02:00

No dia sábado, dia 26 de novembro, inaugura no Galpão Bela na favela da Maré a exposição coletiva Travessias com curadoria de Daniela Labra, Frederico Coelho e Luisa Duarte. Com os artistas Andre Komatsu, AVAF, Henrique Oliveira, Lucia Koch, Luiz Zerbini, Marcelo Cidade, Marcos Chaves, Matheus Rocha Pitta, Raul Mourão, Ricardo Carioba, Rochelle Costi, Alexandre Sá, Filé de Peixe e Michel Groisman.

Travessias é uma iniciativa do Observatório de Favelas, com coordenação geral do Jailson de Souza, produção da Automática e da Espiral, arquitetura do escritório RUA e design gráfico do Tonho.

As imagens abaixo são os primeiros estudos que desenvolvi com o Quito para a exposição.

Raul Mourão, Catálogo, de Marcos Ribeiro

2011-11-16T11:10:00.001-02:00

Trecho do programa de tv sobre arte contemporânea, CATÁLOGO, criação do diretor Marcos Ribeiro. Produzido pela TV Imaginária Produções, CATÁLOGO é uma realização CANAL BRASIL.

Lá no canal da Tv Imaginária no YOUTUBE é possivel assistir outros programas da série CATÁLOGO com Antonio Dias, Beatriz Milhazes, Afonso Tostes, Victor Arruda, Fernanda Gomes, Paulo Pasta, Marcos Chaves, Cabelo, Angelo Venosa, Leda Catunda, Iole de Freitas, Carlos Bevilacqua entre outros.

FESTIVALPANORAMA

2011-11-08T12:31:00.000-02:00

Afonso Tostes no MAM Rio

2011-11-08T12:29:00.002-02:00

Novas Frequências no Oi Futuro - Ipanema

2011-11-07T11:35:00.000-02:00

LOOPcínio no Rio - Caixa Cultural

2011-11-07T11:33:00.000-02:00

Galeria Nara Roesler na PINTA NY

2011-11-04T18:55:00.000-02:00

Lucia Koch -- Café extra-forte/ Extra-strong coffee, 2011 -- Lambda Print -- 270 x 456 cm

artistas / artists
Alberto Baraya -- Antonio Dias -- Antonio Manuel -- Artur Lescher -- Carlito Carvalhosa -- José Patrício -- Lygia Pape -- Lucia Koch -- Melanie Smith -- Paul Ramirez Jonas -- Paulo Bruscky -- Raul Mourão

clique aqui para ver as obras / click here to see the works

datas e horários / dates and time11.11 / 14-20h
12.11 / 12-20h
13.11 / 12-19h

local / location
7 W New York - 7 West 34th Street, at 5th Avenue
New York, USA

galeria nara roesler
avenida europa 655
01449-001
são paulo sp brasil
t 55 (11) 3063 2344
f 55 (11) 3088 0593
info@nararoesler.com.br

www.nararoesler.com.br

CURTA CINEMA A GENTIL CARIOCA

2011-10-27T14:33:00.000-02:00

Ateliê hoje

2011-10-21T17:44:00.000-02:00

lançamento AMABIS no Rio

2011-10-21T15:27:00.000-02:00

Mercado de arte na Subterrânea - POA

2011-10-21T15:00:00.003-02:00

METAMORFOSES DO MERCADO DE ARTE – Atelier Subterrânea Curso ministrado por George Kornis e Fabio Sá Earp

De 31 de outubro a 5 de novembroAulas de Segunda a Sexta, das 18h às 22h. Sábado, das 16h às 20h palestra gratuita.

Incrições pelo email: contato@subterranea.art.br

O curso, ministrado na Subterrânea (Av. Independência, 745/Subsolo) por George Kornis e Fabio Sá Earp, especialistas em economia da cultura, propõe 24h de debates sobre perspectivas e estratégias contemporâneas do mercado e do colecionismo de arte.

1ª aula:
Panorama histórico do mercado de arte. a gênese do mercado
. o mercado de arte moderna
. o mercado de arte contemporâneo
(às 20h coffee break de 20min)

Estrutura e função dos agentes do mercado

. artistas

. comerciantes

. colecionadores

2ª aula:

Panorama do mercado mundial de arte

. centro e periferia

. principais mercados

. mercados emergentes

(às 20h coffee break de 20min)

3ª aula:

Breve histórico do mercado de arte no Brasil

. a gênese do mercado

. o desenvolvimento nos anos 70 e 80

. o novo mercado desde os anos 90

(às 20h coffee break de 20min)

4ª aula:

O mercado de arte no Brasil contemporâneo

. centro e periferia

. problemas e soluções

(às 20h coffee break de 20min)

5ª aula:

18 anos de lei Rounet: alguns resultados. Debate

(às 20h coffee break de 20min)

6ª aula (Debate aberto a público na Subterrânea):
Tema Estratégias Contemporâneas do Mercado e do Colecionismo de Arte

Valor do curso: R$600,00 (2 x R$300,00 ou 3 x R$200,00)

Sobre os professores:

George Kornis- Economista, Professor Adjunto da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (UERJ), Pesquisador Associado ao Grupo de Pesquisa em Economia do Entretenimento da UFRJ, Professor da Escola de Artes Visuais do Rio de Janeiro(EAV/Parque Lage) e autor de diversos textos em economia da cultura entre os quais destacam-se A Cadeia Produtiva do Livro no Brasil(2005) e Estudo da Cadeia Produtiva das Artes Visuais (2010). Também atua como Curador e Colecionador de arte.

Fábio Sá Earp- Economista, Professor Associado da Universidade Federal do Rio de Janeiro, Coordenador do Grupo de Pesquisa em Economia do Entretenimento da UFRJ, Professor da Escola de Artes Visuais do Rio de Janeiro (EAV/Parque Lage) e autor de diversos textos em economia da cultura entre os quais destacam-se Pão e Circo (2002), A Cadeia Produtiva do Livro no Brasil (2005) e Estudo da Cadeia Produtiva das Artes Visuais (2010).

www.subterranea.art.br

The politics of camouflage in artistic practices from the 1970s

2011-10-19T00:05:00.000-02:00

COPAFEST

2011-10-18T11:31:00.000-02:00

Paulo Monteiro na Marilia Razuk - SP

2011-10-17T19:22:00.000-02:00

indrama

2011-10-11T19:33:00.000-03:00

TELA - Curta do Carlos Nader no Festival do Rio

2011-10-11T17:40:00.000-03:00

Gisele e Omar na Mercedes Viegas - Rio

2011-10-02T01:50:00.003-03:00

Ronaldo Bastos e Celso Fonseca - LIEBE PARADISO

2011-10-02T00:56:00.004-03:00

e aqui o canal DUBAS no youtube.

Lehmann Maupin Gallery informa:

2011-10-01T23:12:00.003-03:00

Adriana Varejão Awarded
the 2011 Cultural Merit Order

In recognition of Adriana Varejão's contributions towards the promotion of Brazilian arts and culture on national and international levels, the artist has been selected by the President of Brazil as the recipient of the 2011 Cultural Merit Order award. The award will be delivered by President Dilma Roussef at a ceremony that will take place on 9 Novemeber, 2011, at the Santa Izabel Theater in Recife, in the state of Pernambuco.

Born in 1964 in Rio de Janeiro, where she lives and works, Adriana Varejão is one of Brazil's leading contemporary artists. Her work is included in the collections of the Tate Modern, London; the Solomon R. Guggenheim Museum, New York; the Hara Museum in Tokyo, and the Museum of Contemporary Art San Diego, among others. In 2008, the Centro de Arte Contemporaneo Inhotim installed a permanent pavilion devoted to the artist's work. Varejão has exhibited extensively internationally - including at the Biennale of Sydney, the Venice Biennale, and the Sao Paulo Biennial - and has had solo exhibitions at the Centro Cultural Banoo do Brasil, Rio de Janeiro; the Fondation Cartier pour l'art contemporain, Paris; Centro Cultural Belém, Lisbon; and the Hara Museum, Tokyo. In 2012, Adriana Varejão will have solo exhibitions at the Museo de Arte Moderna (MAM) in São Paulo and Rio de Janeiro.

João Modé n'A Gentil Carioca

2011-09-29T22:21:00.000-03:00

A GENTIL CARIOCA convida para exposição de João Modé

Depois de ocupar o sótão da galeria em 2007 com a exposição 'A cabeça', João Modé apresenta no espaço expositivo desenhos, fotografias e objetos feitos com materiais diversos que se relacionam com a idéia de malha. Uma grande rede [material usado pelo artista a mais de uma década] conecta as duas salas da galeria.

João Modé nasceu em Resende, RJ. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Seu trabalho articula-se por uma noção plural de linguagens e espaços de atuação. Participou da 28ª Bienal de São Paulo [2008], da 7ª Bienal do Mercosul [2009] e da Bienal de Praga [2003]. Alguns projetos, como REDE – desenvolvido em diversas cidades, como Rio de Janeiro, São Paulo, Berlim e Rennes – e Constelações, envolvem a participação direta do público. Ainda este ano participará do Arte Pará como artista convidado, da coletiva Viajantes contemporâneos, na Pinacoteca do Estado de São Paulo e fará individual Para o Silêncio das Plantas, nas Cavalariças do Parque Lage. Recentemente fez exposição individual no MAMAM, Recife [De Sertão, 2010] e na Fundação Eva Klabin no Rio de Janeiro [2009]. Participou do Panorama da Arte Brasileira de 2007. Entre as exposições no exterior, estão: The Spiral and the Square , Bonniers Konsthall, Estocolmo, Suécia [2011-2012]; connect – A Gentil Carioca na IFA Galerie de Berlim e Stuttgart [2010-2011]; Brazilian Summer.Art & the City, Museum Het Domein, Sittard, Holanda [2008]; Stopover, Kunsthalle Fribourg, Suíça [2006]; Unbound, Parasol Unit, Londres [2004]; Entre Pindorama, Künstlerhaus Stuttgart [2004]; e Slow, Shedhalle, Zurique [2003]. Desenvolveu projetos com Capacete Entretenimentos [Rio], Le Centre du Monde [Bruxelas], Casa Tres Patios [Medellin], Watermill Center [NY], entre outros. Tem formação em Arquitetura e Programação Visual, com mestrado em Linguagens Visuais pela UFRJ. Foi membro fundador do grupo Visorama, que promoveu debates acerca das questões da arte contemporânea entre o final dos anos 1980 e a década de 1990.

CAMISA EDUCAÇÃO

A GENTIL CARIOCA realiza o projeto Camisa Educação desde 2005. A cada nova inauguração na galeria convidamos um artista a realizar um projeto para uma camisa na qual a palavra “educação” está escrita. Nesta edição haverá o lançamento da Camisa-Educação n°40 do artista Luciano Vinhosa.

João Modé

abertura 01 de outubro de 2011 de 16h às 20h

exposição de 04/10 a 26/11/2011

Lançamento da camisa educação por Luciano Vinhosa

Parede Gentil por Fabiano Gonper de 04 de junho a 26 de novembro com Gentil apoio Evelyn e Ivoncy Ioschpe

A GENTIL CARIOCA

Rua Gonçalves Ledo, 17- Sobrado

Centro- Rio de Janeiro- 20060-020

Tel: 21 2222-1651

Abrimos de terça a sexta-feira das 12h às 19h e sábados das 12h às 17h.

correio@agentilcarioca.com.br

Luisa Duarte pede equlíbrio de forças

2011-09-19T12:30:00.001-03:00

Saiu hoje no Segundo Caderno d"O Globo o texto lúcido e certeiro da Luisa Duarte aí abaixo.

Por um equilíbrio de forças

Em meio ao frenesi da ArtRio, é hora de pensar na fragilidade dos outros pontos do circuito

O desejo não é fazer o papel de quem vem estragar a festa munida de algum tipo de frustração ou recalque. Nem de longe são estes os afetos que mobilizam esse texto. Mas sim uma necessidade de se instaurar um debate em meio ao alarido causado pelo sucesso da feira ArtRio, ocorrida na semana passada. Um êxito de vendas e de público – segundo a organização foram negociados em vendas de obras cerca de R$120 milhões e mais de 30 mil pessoas estiveram nos armazéns ao longo dos cinco dias de evento.

Antes de mais nada, faço coro aos que elogiam a feira, estive lá e, de fato, parecia muito bem produzida e organizada, bem como acho fundamental que o Rio de Janeiro volte a ter um papel relevante no circuito da arte do país depois de anos e anos eclipsado.

Uma feira é um dos vetores de um circuito de arte. O valor cultural e econômico de um trabalho de arte é estabelecido por uma espécie de rede que inclui diversos agentes – galerias, colecionadores, curadores, recepção do público, museus, instituições, jornalistas, críticos. O mercado tem um lugar nessa rede que valida artistas e suas obras, mas em um circuito desequilibrado como o nosso o lugar ocupado pelo mercado está, hoje, grande demais. E o problema não está no mercado, este faz cada vez melhor o seu papel. O problema está em outros pontos do circuito. Em um cenário no qual museus e instituições são extremamente frágeis, no qual acervos e coleções públicas são escassas, no qual o espaço para a crítica de arte é cada vez menor, em um cenário como este é preciso parar e pensar quando se testemunha um frenesi como o que se viu durante e após o sucesso da ArtRio.

Artistas se referindo ao evento como um “momento mágico”... Menos, menos. Seu sucesso é inquestionável e sua existência bem vinda. Mas será que a mesma elite econômica da cidade e do país que foi até a feira gastar o seu dinheiro tem olhos abertos para as instituições da sua cidade e do seu país – como vai o MAM, como vai o MASP? Vejam bem, acho que feira é feira, espaço não de reflexão e educação, mas de venda e compra de arte - mesmo que espaços curados como os Solo Projects promovam um respiro “reflexivo”. Assim, não reclamo para a feira um papel que não é o dela, mas reclamo da sociedade, de nós mesmos, dos agentes do circuito e do poder público – forte aliado da ArtRio – um olhar mais atento para as fragilidades do circuito como um todo.

No circuito do país, tanto o espaço para o exercício da crítica é escasso, quanto a formação de acervos públicos é frágil. A crítica é um lugar no qual elementos como aposta e dúvida têm vez. A presença da crítica é fundamental na constituição de um espaço público da arte. Na crítica existe a chance de se rever o consenso e contribuir para uma história da arte que nem sempre coincide com aquela desenhada pelo mercado. Já as coleções públicas de museus e instituições são os lugares por excelência para se contar uma história da arte e, consequentemente, os lugares para uma educação do olhar. Sem falar que espaços de ponta como um MoMa (Nova York) e uma Tate Modern (Londres) são hoje verdadeiros chamarizes turísticos de suas cidades. Só que, nestes casos, existe a inteligência de se aliar o turismo que rende dinheiro, com um papel consciente de elites econômicas que contribuem para a existência daquelas coleções públicas. No Brasil as elites econômicas ainda não têm essa consciência. É exemplar o caso do MASP. Na última década o museu chegou a ter a luz cortada por falta de pagamento quando era então presidido por Julio Neves, por sua vez arquiteto do edifício que abrigava a Daslu, o então maior complexo de vendas de roupas de luxo do país. Proximidade com os donos do dinheiro nunca faltou ao MASP. Mas se pergunte se alguém, algum dia, hesitou em gastar R$ 10.000 em uma roupa ou, no lugar disso, contribuir minimamente para o acervo do MASP ou a manutenção do maior museu da sua cidade e empreender assim um papel de cidadão que intervém no destino público da arte realizada no país em que vive e no qual crescerão os seus filhos?

A maior coleção de arte construtiva do Brasil, de Adolpho Leirner, foi oferecida mais de uma vez para instituições brasileiras. Nenhuma delas se interessou ou encontrou condições para viabilizar a compra. Resultado, a coleção encontra-se hoje em uma instituição norte-americana. O mesmo ocorreu com parte da obra de Helio Oiticica. Esses fatos relatam a nossa própria incapacidade de preservar e exibir tesouros da nossa cultura. Estes seriam passos fundamentais para a formação de um país, de uma cultura, e da gente que aqui vive.

Em um circuito de arte cujas forças são tão desequilibradas como é o caso do Brasil é preciso, em meio ao frenesi causado pelo evento ArtRio, recordar a nossa precariedade de fundo. A arte tem, em si mesma, uma capacidade de crítica, de ruído, de atrito com o mundo – “I shop therefore I am”, trabalho de Barbara Kruger que ilustra esse texto fala criticamente sobre a arte como mercadoria mimetizando a lógica da publicidade. Não edulcorar a relação entre arte e mundo, não domesticar a arte, é também o que pode ocorrer quando temos um circuito mais equilibrado. Ou seja, temos em mãos o desafio de instaurar um contexto no qual o descompasso entre os diversos vetores que constituem o circuito da arte seja menor. Para isso é preciso ter olhos abertos para perceber a importância de uma feira de arte, bem como também notar a fragilidade do contexto no qual ela está inserida.

Luisa Duarte, setembro 2011

Queremos Os Paralamas tocando "Selvagem?"

2011-09-18T13:17:00.000-03:00

Queremos Os Paralamas do Sucesso tocando Selvagem? no Rio! É verdade rapaziada... O pessoal do Queremos! botou no ar na sexta passada a primeira ação envolvendo um artista nacional. Vai lá no site pra garantir sua participação nessa noite histórica!

tá lá no site deles...

Nos 25 anos de lançamento desse disco clássico, os Paralamas tocarão ele de ponta a ponta, no Circo Voador.

Temos até Quarta-Feira, 21 de Setembro para confirmar essa apresentação histórica.

Compre seu ingresso-reembolsável e ajude a garantir mais esse show!

Se confirmado, o show será no sábado, 29 de outubro, no Circo Voador.

Os Paralamas do Sucesso já haviam estourado com "Vital e Sua Moto", "Óculos", "Meu Erro", "Romance Ideal" e "Mensagem de Amor" dos seus dois primeiros discos, porém foi com "Selvagem?" que a banda se consolidou, encontrando a sonoridade que marcou a estética da banda. Produzido por Liminha, foi um disco inovador, encharcado de influências brasileiras e de reggae (incluindo os dois primeiros dubs lançados num disco brasileiro, "Marujo dub" e "Teerã dub") e sucessos gigantescos: pelo menos metade do repertório são hits.

A missão:

Precisamos levantar R$ 60 mil para cobrir os custos e garantir o show no Rio. A data limite é 21 de Setembro, próxima Quarta-Feira.

São 300 ingressos reembolsáveis de R$ 200. Se não forem vendidos todos, o show não sai e esse valor é devolvido integralmente.

Confirmado o show, a venda de 1.900 ingressos (R$ 50) garante o retorno integral de quem comprar o ingresso-reembolsável.

Com o possível apoio de empresas (limitados a 50% das unidades), esse número vai diminuindo e a chance de reaver o dinheiro aumenta.

Temos até o dia 21 de Setembro, vamos nessa!

Questões estrangeiras - Flora Thomson-DeVeaux

2011-09-15T08:04:00.002-03:00

Achei Questões estrangeiras agora lá no site da Piauí. Ando pesquisando sites e blogs sobre o Rio de hoje e do futuro. Alguém aí tem uma dica legal pra mim?

Uma introdução

18/08/2011 13:53 | Autor: Flora Thomson-DeVeaux

O Brasil era a última coisa que passava na minha cabeça quando entrei na faculdade. Tenho dezenove anos, sou americana e estudo na universidade Princeton, nos Estados Unidos. Não tenho nenhuma relação de família com o Brasil. Estava certa de que me formaria em Letras ou História. Para me manter afiada no espanhol, fiz algumas aulas de literatura latinoamericana – o suficiente para, quem sabe, ir à Espanha ou México sem passar vexame. Minha única ligação com o Brasil era o fato de ter visto o filme Cidade de Deus. Agora, dois anos depois, estou morando no Rio.

O que aconteceu nesse tempo?

Comecei estudar português. Traduzi uma biografia de Carmen Miranda para o inglês. Fiquei ligeiramente apaixonada, chorei no capítulo que ela morria, comecei a escutar as músicas dela, descobri Francisco Alves, Noel Rosa, e fiquei obcecada com a música popular brasileira nos anos 20 e 30. Lutei por um ano para pronunciar corretamente a vogal “a” em “criança”. Cobri o festival de cinema brasileiro em Miami para uma emissora local, comecei traduzir mais literatura brasileira, fiz meus amigos escutarem Carmen Miranda, descobri a Tropicália, fiz meus amigos escutarem Caetano Veloso, dominei o “a” em “criança”, li e reli e reli A Hora da Estrela, e, mesmo com um pouco de medo de ser atropelada como Macabéa, decidi ir para o Rio de Janeiro de qualquer maneira.

Esta é a versão bem resumida. (A versão longa inclui meu relacionamento de amor e ódio com Terra em Transe, meu relacionamento de amor-e-amor com O Livro do Desassossego e minha decisão de me formar em espanhol, português, e estudos da América Latina).

Num dos meus primeiros esboços em português, escrevi sobre um sonho que tive:

Vi um Rio de Janeiro onírico; uma cidade construída quase totalmente pelos filmes brasileiros que eu vira. Os morros eram os de Orfeu Negro, os prédios de Central do Brasil, as praias as em que brincava (brevemente) Pixote, e o Jardim Botânico do romance malfadado de Macabéa e Olímpico de Jesus. Viajei por esta cidade fictícia por uma espécie de bonde, incrédula e extasiada... Parou o bonde e eu desci em frente do Maracanã (o Maracanã de O ano em que meus pais saíram de férias, suponho). Cai ajoelhada na calçada e chorei.

Admito que ainda não chorei de joelhos diante do Maracanã, nem pretendo fazer isso. Mas o Rio permanece com uma atmosfera um pouco onírica. É estranho visitar os mesmos lugares frequentados pelas pessoas que passei a idolatrar por causa das minhas pesquisas (ainda que o Rio Antigo de Carmem Miranda esteja no passado, ou que Glauber não esteja mais por aí to para trocar umas idéias). Por outro lado, percebi que a cidade tem muito mais vida do que jamais poderia ter imaginado. É, sem dúvida, um lugar real, com todas as complicações de uma metrópole. Até dezembro, estarei aqui fazendo a minha cidade fictícia ganhar vida (sempre me assegurando de olhar para os dois lados antes de atravessar a rua).

Os posts que seguem serão em inglês. Não porque eu não fale português, mas porque estou convencida de que meu senso de humor é um pouco intraduzível. Espero que me acompanhem.

José Bechara na Galeria Marilia Razuk - SP

2011-09-14T19:52:00.000-03:00

RIO REAL

2011-09-14T19:05:00.000-03:00

Hoje passei lá no blog RIO REAL e curti esse texto aí embaixo. Clica aqui pra conferir o blog.

Chegou Rio Real, um blog novo de Julia Michaels, escritora, editora e jornalista americana que mora no Brasil há quase trinta anos.
Se você fala tanto inglês como português, sugiro que leia os dois textos. O inglês terá mais contexto e o português, mais detalhe.
A gente ainda não acredita. Apenas cinco anos atrás, não se podia caminhar em Ipanema e falar no celular –apesar dos seguranças fortões da Richards e da Mr. Cat— pois um assalto era certeza.
Agora, todo mundo tem celular, todo mundo se dá ao luxo de perambular e fofocar. O carioca tem fama de ser relax, mas só agora a noia está começando a se dispersar.
Cresce o número de construções, temos as UPPs e a ocupação social das favelas, esquenta-se o mercado imobiliário, há mais empregos e a renda cresce, os dados educativos são animadores, as lojas de frozen yogurt se espalham, pela primeira vez a saúde e o saneamento básico recebem atenção pra valer, a Lagoa está ficando limpa, abrem-se lojas e restaurantes novos, brasileiros de outras cidades chegam para morar no Rio, nas praias temos o choque de ordem de verão já adentrando o inverno, a Lei Seca pegou, os Jogos Olímpicos estão a caminho, o metrô se expande, e o melhor de tudo é que partes importantes da cidade estão mais seguras do que qualquer época que o carioca consiga se lembrar. Em todos os níveis governamentais, os políticos se tornaram amigos de infância: Dilma, Cabral e Paes estão trabalhando juntos para reverter a decadência que se instalou em 1960, quando a capital se transferiu para Brasília.
Mas vai durar? Será que os políticos irão persistir e as empresas vão investir— ou seja, se comprometer com o futuro a longo prazo?
Me diga o que quer saber. Da minha parte,tenho muitas perguntas...

Entrevista no site ArtRio

2011-09-06T02:44:00.003-03:00

Para um artista como você, qual a importância da realização de uma feira internacional de arte na cidade?
O Rio vive um momento de reconstrução ampla. Há um desejo de reinventar a cidade, uma convergência de acontecimentos positivos e as pessoas estão começando a se movimentar. A ArtRio, juntamente com outras iniciativas como a Casa DAROS, a nova sede do MIS na Av Atlântica, o MAR (Museu de Arte do Rio) na zona portuária e muitos outros, podem consolidar o Rio como um novo destino cultural do planeta. Uma cidade interessante para se conhecer, com uma história cultural única. Aqui vivem centenas de artistas plásticos, músicos, djs, escitores, cineastas etc. Falta apenas transformar essa produção artística numa cena cultural vibrante e que contamine o imaginário estético da população. Isso aconteceu na Movida Madrileña nos anos 80 na Madrid pós-General Franco e no Mangue Bit em Recife de Chico Science e Fred 04. Agora é a vez do Rio. De novo.

Você está participando da ArtRio com alguma obra?
Esculturas cinéticas inéditas na Nara Roesler (SP) e Lurixs (Rio).

Como você define seu trabalho?
Meu trabalho sempre trafegou por várias mídias, suportes e materiais. Pode ser uma escultura em aço de duas toneladas ou um texto soprado na orelha. Não respeito dogma nenhum. Tudo pode acontecer na rotina do ateliê. É sempre tentativa e erro e um olhar atento ao acaso e às coisas da cidade, do cotidiano, da web. E também um caderno ao lado da cama para anotar os sonhos e pesadelos.

O que tem feito e o que vai fazer em um futuro próximo?
Estou preparando esculturas em escala urbana para dois projetos. O primeiro é uma obra efêmera de 15m de altura em tubos de aço e braçadeiras para uma praça em Londres e o segundo é um conjunto de quatro esculturas aqui para o Rio mesmo. Além disso, em novembro vou participar da exposição coletiva Travessias no Museu Maré com curadoria de Daniela Labra, Frederico Coelho e Luisa Duarte e a participação dos artistas Luiz Zerbini, Lucia Koch, Marcelo Cidade, Marcos Chaves entre outros com coordenação geral do Jailson de Souza do Observatório de Favelas.

Adriana Varejão NA Victoria Miro - LONDON

2011-09-06T02:01:00.000-03:00

peguei lá no site da galeria Victoria Miro.

Victoria Miro is delighted to present a new body of work by Adriana Varejão in her third solo presentation at the gallery and her first show in London since 2004. One of the most original voices in contemporary Brazilian art, Adriana Varejão's diverse practice comprises painting, sculpture and installation. Her sources are many, amongst others - baroque art, history, architectural ruins, natural sciences and theatre. Blurring the boundaries between painting and sculpture, Varejão's work charts a unique development of ideas and common thread of research.

As in her iconic series Azulejões, where the artist amplifies the scale of the blue and white Portuguese tile, these new three-dimensional oil paintings have grown from her fascination to develop a technique that would allow her to reconstruct 19th century Pallisy ware from the celebrated Portuguese factory of Caldas da Rainha, run by Rafael Bordalo Pinheiro (1846 - 1905) one of the most relevant Portuguese artists and Palissy follower.

In this new body of work Varejão again plays with scale and expands the original plates to 1.5 meters reframing themes and colours and adding new layers of reference to the three-dimensional still life imagery present in Bordalo's original ceramics.

Opening up the space of creation and re-creation, Varejão brings together the past and present through collective memories of social and art history but also through memories of personal and everyday life.

Upholding the visual poetics and conceptual impulses of her earlier series these works bring together many cultural references amongst them; Japanese Ama divers, Ethiopian natives from the Ono Valley, childhood reminiscences of the soft frail architecture of sand castles and sensual memories of eating quince fruit - a soul food in Adriana's native Brazil. Prevalent throughout the paintings are crustaceans, crabs and sea creatures - famously characteristic of Pallisy ware - whose sheer abundance, overblown size and voluptuousness embody both the drama and pleasure of the senses and the wasteful lavishness of the baroque, recurrent throughout Varejao's practice.

Varejão seldom works with the original materials she makes reference to and all surfaces are oil-painted. In the Azulejões series, the 17th century Portuguese baroque tile panels gain as support oil and plaster on canvas, rather than the usual ceramic tile. Again, in her current work, the ceramic medium is reinterpreted, this time through polyurethane platters with resin ornamental elements, all oil-painted.

Leda Catunda na Silvia Cintra + Box 4

2011-09-06T01:38:00.000-03:00

Ateliê hoje

2011-09-05T23:44:00.000-03:00

Every Jetson has a Flinstone inside - Luiz Zerbini na Max Wigran - Londres

2011-09-03T11:03:00.000-03:00

Alexandra Lucas Coelho lança Tahrir - Os dias da revolução no Egito

2011-08-26T12:48:00.000-03:00

CAFI no espaço Multiplo de arte

2011-08-24T16:50:00.000-03:00

Carlito Carvalhosa no MOMA

2011-08-23T19:08:00.000-03:00

José Resende na Raquel Arnaud - SP

2011-08-22T19:10:00.000-03:00

MIDRASH informa: PALESTRA raul mourão

2011-08-22T10:12:00.001-03:00

Toca-Livros

2011-08-16T15:25:00.000-03:00

Entrefalas de Gloria Ferreira

2011-08-16T11:47:00.000-03:00

SP ARTE FOTO

2011-08-16T11:31:00.002-03:00

ItamarAssumpção-NelsonLeirner-ZéCelso-RogerioSganzerla-PauloLeminski

2011-07-09T00:09:00.000-03:00

O Itaú Cultural apresenta ICONOCLÁSSICOS, uma série de filmes sobre artistas brasileiros contemporâneos. A seleção traz documentários sobre o músico e compositor Itamar Assumpção, o artista plástico Nelson Leirner, o dramaturgo José Celso Martinez Corrêa e o cineasta Rogério Sganzerla. E também uma adaptação do livro Catatau, do poeta Paulo Leminski.

Todos esses criadores são referências importantes no contexto da produção cultural brasileira e suas obras um legado para as novas gerações. Os filmes trazem material de arquivo, entrevistas, biografias e mostram a postura iconoclasta e visionária desses artistas. Cada uma das produções audiovisuais foi realizada por um diretor de destaque no contexto cinematográfico brasileiro, imprimindo uma qualidade autoral às obras.

CABELO LIVRO

2011-07-07T21:53:00.000-03:00

Romulo Fróes no Oi Futuro Ipanema

2011-07-06T16:44:00.000-03:00

oIDIOTA

2011-07-05T09:44:00.002-03:00

Bob W na Gavea

2011-07-05T09:39:00.000-03:00

Brigida Baltar no Oi Futuro

2011-07-02T16:04:00.002-03:00

Cao Guimarães no MoMA e no PS1

2011-07-02T10:01:00.000-03:00

O MoMA e o PS1 prestam tributo a Cao Guimarães "um artista cujo trabalho sente-se igualmente em casa tanto em galerias de arte como em salas de cinema". Uma retrospectiva dos seus filmes e documentários será mostrada no MoMA e uma seleção dos seus curtas no PS1, nos dias 16 e 17 de julho. Tá lá no site do MoMa.

NAVE - Zach e Manabe

2011-07-02T08:01:00.003-03:00

TRAILER - To Live & Ride In L.A.

2011-07-01T00:41:00.000-03:00

TRAILER - Gonzo

2011-06-29T23:09:00.002-03:00

TRAILER - Objectified

2011-06-29T22:52:00.004-03:00

TRAILER - Helvetica

2011-06-29T22:51:00.001-03:00

TRAILER - Welcome to Macintosh

2011-06-29T22:49:00.001-03:00

studio X

2011-06-29T21:27:00.000-03:00

Multiplicidade - temporada 7 - no Oi Futuro

2011-06-28T08:39:00.000-03:00

O americano Zach Lieberman e o japonês Daito Manabe se apresentam juntos no festival, em espetáculo inédito.

Evento de abertura tem lançamento do livro-catálogo “Multiplicidade 2010”

Celebrado como referência em performances audiovisuais, o festival Multiplicidade_Imagem_Som_inusitados retorna ao centro cultural do Oi Futuro do Flamengo (RJ), no dia 30 de junho. Em sua sétima edição, o evento traz dois artistas internacionais, o americano Zach Lieberman e o japonês Daito Manabe, em uma parceria inédita no Brasil, usando o corpo humano como forma de inspiração.

Em Drawn, Zach realiza uma performance orgânica e contínua ao alterar sinais de vídeo em tempo real. Daito mostra o projeto Eletric Stimulus, em que sons são obtidos a partir da captação dos movimentos de diferentes músculos de seu rosto. Juntos, os artistas apresentam uma experiência multimídia ao vivo, com projeção visual do mapeamento de inúmeras partes do corpo. Será a primeira execução no Brasil destes dois notáveis trabalhos, mixados em um único espetáculo.

Após a apresentação, haverá o lançamento do livro-catálogo Multiplicidade 2010, uma compilação sobre os espetáculos realizados pelo festival. Faz parte da publicação o caderno Fragmentos, com trabalhos paralelos ao evento reproduzidos em 100 páginas. Ao longo do ano, outras atrações do Multiplicidade irão compor o mosaico dessa experiência inovadora no campo das artes digitais. "Esse é um momento de quebra de paradigmas na educação, no conhecimento e na produção artística. Me atrevo a dizer que as transformações oriundas da tecnologia são como o movimento de vanguarda que criou a tradição do novo", diz Batman Zavareze, curador do festival.

Surgido em 2005, o Multiplicidade tem como missão trazer para o Rio de Janeiro o que há de mais inovador e inusitado em termos de espetáculos multimídia, sempre usando a tecnologia para unir arte visual e sonoridade experimental. Em 2011, artistas consagrados e premiados no cenário cultural-tecnológico realizarão performances únicas, que certamente ficarão marcadas na história do festival.

A temporada 2010 promoveu encontros inesquecíveis, como a apresentação de Carlinhos Brown com Gualter Pupo e os designers doArterial. Outro espetáculo arrebatador foi a performance do Letuce, com uma piscina de bolinhas de isopor como tela de projeção, em que o público era convidado a interagir com a banda. O Multiplicidade realizou também duas apresentações no Oi Casa Grande: o DJ Spooky apresentou a obra Terra Nova Sinfonia Antarctica, e o espetáculo do maestro Eumir Deodato com o designer Breno Pineschi foi eleito um dos 10 Melhores Shows de 2010 pelo jornal O Globo.

Desde a primeira edição do festival, o público carioca viu passar pelos palcos do Multiplicidade artistas como Arnaldo Antunes, Tom Zé, Jaques Morelenbaum, Vik Muniz, The Cinematic Orchestra, Peter Greenaway, Naná Vasconcelos, Muti Randolph, AntiVj, João Donato, SuperUber, Raul Mourão, Daedalus, Kassin e Chelpa Ferro, entre outros.

A longevidade do projeto deve-se em grande parte ao patrocínio da Oi e à curadoria de Batman Zavareze, designer de formação e pesquisador por paixão. Apresentações únicas de grandes expoentes da música e tecnologia ficaram marcadas e viraram referência em jornais, revistas e, principalmente, conversas de bar.

“A Oi e o projeto Multiplicidade renovam, a cada ano, uma parceria fundamentada no conceito de convergência e na inovação permanente”, diz Maria Arlete Gonçalvez, diretora de Cultura do Oi Futuro. “A união de arte e tecnologia, que está presente no DNA do Oi Futuro, abre espaço à promoção de criadores de espetáculos multimídia que privilegiam a diversidade de linguagens, os cenários inusitados e sonoridades experimentais”, afirma.

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ATRAÇÕES DIA 30 DE JUNHO:

O trabalho de Zachary Lieberman consiste em aumentar as habilidades do corpo em se comunicar e "brincar" com a tecnologia, rompendo as barreiras entre o visível e o invisível, sempre utilizando softwares criados por ele mesmo. Com a instalação Drawn, acabou recebendo prêmios importantes nos festivais Ars Electronica e Cynet. Já fez parte de projetos de residência no Ars Electronica Futurelab, Eyebeam, Dance Theatre Workshop e o Centro de Novas Artes Hangar (Barcelona). Recentemente desenvolveu um software chamado EyeWriter, um rastreador de olhos abertos que ajuda artistas paralisados a desenhar de novo.

Nascido em 1976, Daito Manabe é graduado em Matemática pela Universidade de Ciências de Tokyo, formado pela IAMAS (International Academy of Media Arts and Sciences) e pelo curso DSP (Dynamic Sensory Programming). Sua habilidade em programação e pesquisa – consideradas de alto calibre – e seu estilo flexível renderam convites para participação em diversos projetos artísticos no Japão e em outros países. Em janeiro de 2009, Daito participou da abertura do Festival Ars Electronica Centre, em Linz (Áustria), com Zach Lieberman, Joel Gethin Lewis e Damian Frey. Seu projeto Electric Stimulus recebeu mais de 1 milhão de visitas no Youtube só no primeiro mês, o que motivou reportagens de TV na Rede Globo, CNN, MTV e Discovery Channel, entre outros. Daito é co-fundador, com Motoi Ishibashi, da 4nchor5, e vice presidente da Rhizoatiks (Empresa de Arte e Multimídia).

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SERVIÇO:

Festival Multiplicidade_Imagem_Som_inusitados
Data: Dia 30 de junho (quinta-feira)
Local: Oi Futuro Flamengo – Rua Dois de Dezembro, 63 Flamengo/Rio de Janeiro.

Horário: 19h30 e 20h30

Entrada: R$ 15,00 inteira (com meia-entrada)
Capacidade do local: 84 lugares
Censura: Livre

fotos anexo: Divulgação/Multiplicidade
e-flyer: http://www.caotica.com.br/multiplicidade/2011/multi00/
vídeo divulgação: http://youtu.be/a4wgWwjS_Hc

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Sobre o Oi Futuro

O Oi Futuro tem a missão de democratizar o acesso ao conhecimento para acelerar e promover o desenvolvimento humano. O principal foco das ações do instituto de responsabilidade da Oi é a promoção de um futuro melhor para os brasileiros, reduzindo distâncias geográficas e sociais. Os programas Oi Tonomundo, Oi Kabum! (escolas de arte e tecnologia), NAVE e Oi Novos Brasis atendem 600 mil crianças e jovens, desenvolvendo metodologias educacionais inovadoras, promovendo a inclusão digital e fornecendo conteúdo pedagógico para a formação de professores e educadores da rede pública. Na área cultural, O Oi Futuro atua como gestor do Programa Oi de Patrocínios Culturais Incentivados, mantém dois espaços culturais no Rio de Janeiro (RJ) e um em Belo Horizonte (MG), além do Museu das Telecomunicações nas duas cidades. O Oi Futuro apoia, ainda, projetos aprovados pela Lei de Incentivo ao Esporte. Este leque de atuação no terceiro setor foi completado recentemente, quando foi criado o Primeiro Programa Oi de Projetos Para o Meio Ambiente, lançado no final do ano passado pelo Oi Futuro. A Oi foi a primeira companhia de telecomunicações a apostar nos projetos sócio-educativos inseridos na nova Lei. Mais infos: http://www.oifuturo.org.br/

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+ INFOS

Site Multiplicidade: http://www.multiplicidade.com/site/
Nas redes sociais: Facebook: http://www.facebook.com/multiplicidade e Twitter: @multiplicidade_

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Assessoria de imprensa do festival Multiplicidade: Binômio Comunicação (http://www.binomiocomunicacao.com/)
Contatos: Marcelo Gusmão (21.7751 0116) e Joca Vidal (21.8798 6268)

Marco Veloso na Anita Schwartz

2011-06-27T23:13:00.000-03:00

Nesta quarta, dia 29 de junho, Anita Schwartz Galeria de Arte apresenta a exposição individual do artista carioca Marco Veloso, que ocupa um lugar de destaque no panorama do desenho contemporâneo em nosso país.

A mostra ocupará os dois espaços do andar térreo com um conjunto totalmente inédito de seis séries -com 16 desenhos cada- além de 16 desenhos individuais, produzidos especialmente para esta exposição. As séries, quase todas produzidas nos últimos meses, são feitas em carvão sobre papel. Uma única delas apresenta partes em pastel oleoso.

Como é característico de seu trabalho, os desenhos têm traços fortes e marcantes, explorando os vários matizes do cinza, do preto e do branco. Dando prosseguimento a seu trabalho dos últimos anos, esta mostra também apresenta fundamentalmente uma série de paisagens imaginárias nas quais “o urbano e o natural, da mesma forma que a abstração e a figuração, são encontrados lado a lado. Um detalhe figurativo pode ser apresentado de forma inteiramente abstrata, enquanto uma configuração abstrata pode se revelar parte de uma forma reconhecível”.

Exposição do Chelpa Ferro no Aldrich Museum

2011-06-23T18:59:00.000-03:00

June 26, 2011, to January 8, 2012

Chelpa Ferro is a Brazilian collective comprised of artists Barrão, Luiz Zerbini, and Sergio Mekler that was formed in 1995. Already independently renowned, they got together under the umbrella “Chelpa Ferro”—Portuguese slang for money and steel—with the objective of doing some leisurely experimentation outside the constraints of their primary individual art careers.

Chelpa Ferro’s first US exhibition will bring their fresh, somewhat chaotic, and savvy interdisciplinary approach to objects that they transform into animate sculptures and sound-creating devices to The Aldrich Contemporary Art Museum on June 26, 2011. The artists and their ensemble will give a live performance after the opening reception and the project, which has received funding support from the National Endowment for the Arts, will remain on view through January 8, 2012.

Chelpa Ferro is well known for squeezing a rhythmical sound from seemingly non-musical devices such as electric toothbrushes, drills, sewing machines, or juice makers, and using them in their installations and performances. At The Aldrich, the Acusma installation will fill the gallery with a sound resembling a group of people coming together to sing. However, the sound does not visually match the source, which turns out to be a series of beautiful Brazilian ceramic vases spread out on the gallery floor, with loudspeakers playing up to five different recorded voices inside each vessel.

Curator Mónica Ramírez-Montagut says, “In Chelpa Ferro’s work, the blend of high-tech equipment (speakers, cables, computers, and sophisticated computer programming) is integrated with traditional Brazilian crafts and domestic objects, providing a new and surprising visual representation of sound and conferring an aura of mystery upon these mundane objects.”

An eloquent example of this blend is found in the thirty motors of kitchen blenders used in the Jungle Jam installation. The motors are displayed in a horizontal line around all the walls of the gallery space, with plastic bags from vendors local to The Aldrich attached to each one. When the motors are running, the plastic bags hit the gallery wall, creating different sounds. The motors are coordinated through a computer system that functions as an orchestra conductor, directing the whole ensemble.

The Aldrich Contemporary Art Museum will celebrate the opening of Chelpa Ferro: Visual Sound along with five otherCollaborations exhibitions at a reception where guests are invited to meet the artists, on Sunday, June 26, 2011, from 3 to 5 pm (FREE with the price of admission: $7 adults; $4 seniors; FREE for members, pre-K-12 teachers, and children 18 and under). Immediately following, a special performance by Chelpa Ferro (included in the price of admission to the reception) will take place at Ridgefield’s Jesse Lee Memorial United Methodist Church from 6 to 7 pm. FREE onsite parking is available, as is round-trip transportation from the Metro North Katonah Train Station to the Museum for the June 26 afternoon reception only. Also on view: Kate Eric: One Plus One Minus One; MTAA: All the Holidays All at Once; Type A: Barrier and Trigger; Jessica Stockholder: Hollow Places Court in Ash-Tree Wood; and Judi Werthein: Do You Have Time?

The Aldrich is supported, in part, by the Connecticut Commission on Culture & Tourism. Chelpa Ferro: Visual Soundreceived special funding from the National Endowment for the Arts. Art Works. The official media sponsors of exhibition openings are Ridgefield Magazine and WSHU Public Radio.

FC #4 - Um labirinto em cada pé

2011-06-16T15:45:00.003-03:00

Nosso correspondente local Frederico Coelho está revoltado porque perdeu o show da Sharon Jones na última terça e também porque não consegue publicar coisa nenhuma no seu velho blogspot. Daí que o homem resolveu mandar esse texto sobre o disco novo do Rômulo aqui pro nosso b®og. (Na barra lateral direita do b®og tem uma apresentação do Fred pra quem ainda não conhece a figura)

Folha de São Paulo: Caminhando para o fim da primeira década do século 21, já é possível identificar um traço comum entre os artistas surgidos na música brasileira a partir dos anos 2000?

Romulo Froes: É uma geração de artistas-operários, surgida em plena derrocada das grandes gravadoras e que, alijada da indústria, se viu obrigada a dar conta de todo o processo de construção de uma obra musical. Esse abandono, aliado ao avanço e ao acesso facilitado à tecnologia, constituiu uma geração especialmente ligada ao processo de gravação. O "som" produzido por ela, talvez até mais que suas canções, é o que a destaca em relação às demais. E, uma década mais tarde, milhares de discos produzidos depois, não é difícil imaginar o grau de excelência técnica a que se chegou. Pois agora, de posse de sua obra e de sua carreira, é chegada a hora dessa geração conquistar uma voz mais forte, que diga a que veio e que rompa a barreira do anonimato imposta à ela.

Em sua recente e excelente entrevista para a Folha de São Paulo, Romulo Fróes expôs alguns dos argumentos mais contundentes sobre a música brasileira contemporânea. Instado pelo jornalista a dar conta de uma grande narrativa crítica sobre sua geração de músicos (a minha geração, a geração dos nascidos entre 1968 e 1980), Romulo não foge da raia, responde perguntas capciosas, enfrenta a necessidade frenética de recorte, de marca coletiva, de sentido em comum dentre as dezenas de bandas, vozes e músicas que surgiram nos útlimos dez anos.

Romulo, porém, em um momento chave da entrevista, reivindica ao jornalista algo inusitado para os dias de hoje. Algo que se não fosse dito por ele, passaria em brancas nuvens na conversa e em todas as outras conversas. Algo que passa ao largo até mesmo dos textos acadêmicos recentes, das brilhantes reflexões em blogs ou matérias de revistas de cultura. Algo que, cada vez mais, fica em segundo plano quando discutimos música ou cultura em geral no Brasil. Romulo pede que os que escrevem sobre a “nova música brasileira”, ouçam e falem SOBRE A MÚSICA.

Qual é o maior equívoco que a imprensa em geral comete em relação aos artistas pós-queda da indústria?

O principal equívoco é não falar de música. Entendo que o jornalismo esteja passando por uma crise muito semelhante à nossa, com o iminente fim de formatos estabelecidos e com as novas formas de apreensão ao nosso trabalho. Mas penso que seria muito mais rico, para todo mundo, se tentássemos entender este momento em que vivemos, através da produção autoral. Minha geração foi afastada do conceito de autoria. É entendida como um todo, sem se singularizar --e este é um erro não só do jornalismo, mas do ouvinte em geral. Não somos parecidos, somos muito diversos. Mas insistem em nos ligar e isso se dá menos por um pensamento crítico, mas muito mais por uma análise, quase sociológica. Eu, por exemplo, sou muito mais reconhecido pelo que penso, pelo que falo em entrevistas, que por meus discos. Não que não me interesse pela discussão --muito pelo contrário. Mas ficaria muito mais satisfeito se ela surgisse estimulada por minhas canções e não por minha fala. Acredite: tudo o que digo está incorporado à minha canção e construído ao longo dos meus quatro discos. Mas, nesse tempo de agora, parece não mais haver espaço para a fruição estética.

Romulo aqui vai direto ao ponto: nossa geração foi engolida pela rasura do papel do autor. Pela pressão em não sermos mais autores capazes, autores que atingem níveis de qualidade dos autores de outrora. Por isso não somos individualidades criativas, mas somos impelidos ao afã modernista de formarmos de alguma forma “um movimento”, uma “tendência”. E nesse esforço de unir as pontas soltas, criam-se perspectivas artificiais de convergências. O fato de Curumim participar de um disco de Romulo ou do Arnaldo Antunes não quer dizer que eles fazem parte de um movimento, mas, como diria Rogério Duarte, eles são parte de um momento. Um momento que, como mostra Romulo em suas palavras e seu som, está inserido em um movimento amplo da cultura brasileira, que incorpora a precariedade profissional do mercado fonográfico com a expansão acelerada dos recursos de registro, produção e distribuição da mercadoria música. Romulo está na rede, liberou seu disco para Download e venderá o disco físico também. Veicula informações para uma ampla comunidade de consumidores/parceiros de seu trabalho.

A geração não carece de potencial mercadológico? Não estamos criando um pensamento de "como eu não preciso de dinheiro de gravadora pra fazer disco, posso fazer o que eu quiser; se posso fazer o que eu quiser, não preciso agradar a ninguém"?

Não é verdade. Essa geração, como qualquer outra, tem artistas que fazem canções pop, mais intelectuais, mais experimentais, populares, cafonas, ingênuas, desencanadas, engajadas: tudo igual a qualquer época. O perverso é que estejam todos no mesmo patamar, sem que se distinga os graus de popularidade através de sua própria música. Estamos todos no mesmo barco, atravessando os mesmos mares revoltos.

O fato de estarmos todos no mesmo barco, de muitos músicos no Rio, em São Paulo, em Belo Horizonte, em Cuiabá, Em Porto Alegre, em Belém do Pará estarem trabalhando de forma colaborativa não quer dizer que sejam coletivos ou pessoas esteticamente vinculadas umas as outras. Não se configura aqui necessariamente um compromisso estético coletivo como foi o Cinema Novo ou o Neoconcreto. São amigos, músicos que se conhecem a partir dos seus trabalhos, festivais, shows, espaços em comum de atuação (Como o Studio SP ou o circuito de SESCs em São Paulo ou o que o Solar de Botafogo começou a fazer recentemente no Rio de Janeiro). Há uma necessidade, e eis a importância do alerta de Romulo, em se falar mais dessa suposta convergência geracional do que da capacidade criativa dos músicos e compositores. Não se discute os discos do ponto de vista musical. A discussão principal é sempre guiada pelo ponto de vista “social” ou sociológico, como preferir.

Sua geração tem medo do sucesso, é isso? Ela precisa se "desproteger"?

A questão não é ter medo do sucesso, a questão é não querer demais o sucesso. Porque o sucesso como o conhecemos --da mitificação, do artista que entende e traduz uma nação-- talvez não se realize mais. O nó dessa geração é que ela não precisa dialogar com o sucesso para produzir sua obra, talvez por isso mesmo nunca o alcance.

E o disco de Romulo? Um Labirinto em cada pé é um disco fundamental. Para entender o que Romulo diz, devemos ouvir sua música. É aí que reside sua grande reivindicação. Romulo, através das letras de Nuno Ramos e Clima, através do som de sua banda, incorporando o cavaco de Rodrigo Campos, transformando suas músicas em um equilíbrio das duas frentes exploradas no disco anterior, No chão, sem chão, de 2009. O samba impera não como espaço de reverência, mas como trampolim para vôos amplos sobre a base clássica de percussão e cavaco, como na redonda “Rap em latim”, cantada por um malemolente Arnaldo Antunes e seu final elegante. A bateria também cumpre seu papel de trio de bossa jazz enquanto guitarras cruzam os céus dos espaços sonoros de cada arranjo. Há canções secas, sem refrão, há canções que abrem e brilham quando crescem em seus refrões, sentimos um eco de afrobeats, um certo ar da cozinha dos Hermanos (a bateria de Barba, principalmente, que é marcante na música pop brasileira da última década ao lado de bateria de Pupilo e Domenico) em “Boneco de Piche”, música que casa com “Jardineira”, outra que aponta para a aposta em uma filosofia sombria e, paradoxalmente, solar do samba.

As letras de Nuno Ramos e Clima são cravadas de Paulinho da Viola, Nelson Cavaquinho e Campos de Carvalho, de absurdos que são enunciados na mosca por Francisco Bosco em seu texto de apresentação do disco no blog de lançamento. Letras que não falam com ninguém, que narram personagens impessoais, errantes entre objetos e sensações, cristos redivivos, entre marchas carnavalescas que falam de morte, de fumaça, de pedra e sol, de cus de urubus, de sexos confusos, fomes, caminhadas, de muros, de mares, de madrugadas, silêncios, cassinos da Urca e arcos da lapa. Quem leu os livros de Nuno Ramos sente-se confortável (se é que podemos usar essa palavra neste caso) com a opacidade e a ausência de referências explícitas ou histórias definidas nas letras do disco. Um mundo caótico, gorduroso e assim mesmo, leve, cômico, que sabe rir de sua própria tragédia.

Romulo faz rock em 2011, no Brasil. Ponto. Seu rock está defendido em sua guitarra e no seu baixo, em sua bateria e na sua voz. Mas tudo isso é profundamente mergulhado na sua ideia de cultura brasileira, na sua percepção de que o samba não é um gênero ou um arquivo, mas sim um espaço criativo que todos nós podemos entrar e reorganizar no âmbito da música pop. O samba que foi feito pelos Mutantes, por Sérgio Sampaio, pelos Novos Baianos, por Jards Macalé, Itamar Assumpção, Luiz Melodia, Pelo + 2, por Caetano Veloso nos seus dois últimos discos, o samba de Jorge Ben em "As rosas eram todas amarelas"e "Charles Jr.", o samba transtornado de Curumim, da Nação Zumbi, de Ronei Jorge, de Lucas Santanna, o samba que atravessa todo compositor brasileiro que se interessa pela informação e a história da música brasileira.

A música que pode definir isso é “Cilada”, uma espécie de maracatu, com sua bateria solta e sua marcação marcial, seu violão de cantador e sua guitarra climática, desenhando distorções. Eis que quando nos encontramos tranqüilos, indo em um belo e longo passeio nostálgico do cassino da Urca ao Cacique de Ramos, uma mulher surge, lambe a voz que canta,ela lembra, ela diz ah sei lá, e aos poucos leva o ritmo da música em uma espiral crescente de distorção/tensão, somada a uma voz feminina que não alivia, mas sim precipita o fim fantasmagórico da canção que inicia singela e termina sinistra.

Um labirinto em cada pé é um disco que apresenta sem firulas o que o seu autor nos diz na entrevista: é preciso ouvir a música que está sendo feita hoje, sem filtros geracionais, sem buscas de consensos ou ligações com as modas. Romulo Fróes é um dos principais músicos brasileiros de hoje e um dos seus principais pensadores. Para além de cenas. Para além de matérias que precisem de pautas. Um músico que se impõe cada vez mais pelos seus discos e pela sua capacidade de traduzir em sua sonoridade os nossos tempos luminosos e trágicos.

O que é preciso para que essa sensação de "fase de transição" termine? Que a indústria, o que quer que ela venha a ser, encontre seu caminho? Ou é uma questão existencial dos artistas?

Tempo, é preciso tempo, mas parece que não o teremos mais.

Frederico Coelho, junho 2011

‘O futuro da internet não está aqui’

2011-06-14T05:45:00.000-03:00

Peguei o texto abaixo do Lawrence Lessig lá no site do caderno Link do Estadão.

O futuro da internet não está aqui
Por Lawrence Lessig

Especial para o ‘Estado’

PARIS – Imagine um alcoólatra. Não aquele que não para em pé de tão bêbado ou que frequente os Alcoólicos Anônimos. É só o alcoólatra comum, que luta para controlar o vício. Mas ele tem, além do álcool, outro vício. Não se trata de um vício debilitante. E ele não é um ex-viciado em drogas. Ele apenas tem, também, um outro vício que continua a puxá-lo em outra direção, afastando-o do que ele quer fazer. Uma pessoa com dois vícios, que a puxam em direções diferentes, tornando-a vulnerável, suscetível às tentações de ambos. Para ela, resta aprender a regular esses vícios e ser capaz de mantê-los sob controle.

Sugiro essa imagem porque acredito que ela é uma representação bastante fiel dos governos democráticos modernos. Eles têm dois vícios distintos. São constantemente puxados pela loucura, uma loucura parcial, que emerge quando as pessoas o pressionam a fazer aquilo que não é do interesse público. Pense no peronismo ou no populismo que inflou bolhas nos bancos e no mercado imobiliário dos EUA. Por outro lado, há o vício nos interesses especiais — vamos chamá-los de titulares — que submetem constantemente o governo à tentação de fazer alguma insensatez nas políticas públicas com o objetivo velado de beneficiar esses titulares. E, ao menos nos EUA, esse vício afetou o debate de praticamente todos os grandes temas da administração pública. Diante destas forças submetendo o Estado a uma constante tentação, o governo vê-se numa posição sempre vulnerável.

Inovação. Pois bem, a internet é uma plataforma, uma arquitetura que acarreta consequências, que possibilita a inovação. Pensemos em alguns exemplos da história da inovação na internet: o Netscape foi criado por um desistente da faculdade; o Hotmail, por um imigrante indiano e vendido à Microsoft por US$ 400 milhões; o ICQ, por um garoto israelense cujo pai tentou vender o programa à AOL por US$ 400 milhões; o Google, por dois jovens que pularam fora de Stanford; o Napster, por um desistente e por alguém que nem teve a oportunidade de se tornar um desistente da faculdade, e que está presente aqui hoje; o YouTube, por dois alunos de Stanford; o Kazaa e o Skype, por jovens da Dinamarca e da Suécia; e, finalmente, Facebook e Twitter, inventados por jovens.

O que elas têm em comum? Todas foram criadas por jovens, que largaram os estudos ou não são norte-americanos. Foi para eles que a nova arquitetura abriu as portas. Tratou-se de um convite à inovação vinda de fora. Ora, a inovação vinda de fora é uma ameaça aos titulares.

O Skype ameaça empresas de telefonia; o YouTube, emissoras de TV; o Netflix, operadoras de TV a cabo; o Twitter ameaça à sanidade, mas a sanidade nunca teve titular. E então os ameaçados respondem à ameaça. E sua tática é apelar ao viciado – o governo democrático moderno — e chantageá-lo com sua droga preferida. No caso dos EUA, a oferta ilimitada de recursos para financiar campanhas políticas. A droga garante aos titulares proteção contra as ameaças.

Acredito que foi essa a questão levantada pelo jornalista e ativista Jeff Jarvis ao sugerir que os governos se limitassem a “não causar males” à internet.

Não atrapalhem. O presidente Sarkozy ouviu a sugestão, não a aceitou, mas reconheceu que há neste debate questões importantes de medidas públicas. Mas aí é que está. Já percebemos que há “questões importantes de medidas públicas” em debate. O problema é que não confiamos nas respostas que o governo dá. E temos boas razões para isso, afinal, a resposta dada pelo governo democrático moderno é aquela que por acaso beneficia os titulares. A resposta que poderia encorajar ainda mais a inovação é ignorada.

Pensemos nos direitos autorais: é claro que precisamos de um sistema de direitos autorais que garanta aos criadores a compensação por seu trabalho e também a independência de sua criatividade. A questão não é se os direitos autorais devem ser protegidos ou não. A pergunta é como proteger os direitos autorais na era digital. A arquitetura dos direitos autorais, criada para o século 19, faz sentido no século 21? Como seria uma arquitetura que faria sentido hoje? Será que é esta a pergunta que o governo se faz?

Acho que a resposta é “não”. Em vez disso, a proposta dos governos democráticos modernos de todo o mundo, e em especial da França, pode ser definida pela lógica irracional do limite das três infrações, que por acaso beneficia os titulares.

O potencial inovador que poderia surgir de uma nova arquitetura de proteção aos direitos autorais está sendo ignorado. Não sou só eu que digo isto. O recente relatório Hargreaves, elaborado pelo governo conservador britânico, diz: “Será possível que leis criadas há mais de três séculos com o objetivo claro de proporcionar incentivos econômicos para a inovação por meio da proteção aos direitos dos criadores estariam hoje obstruindo a inovação e o crescimento econômico?” Sim.

O relatório segue: “No caso das políticas para os direitos autorais, não resta dúvida que o poder de persuasão de celebridades e importantes empresas britânicas associadas à criatividade distorceu o resultado das políticas elaboradas.” E isso não ocorre só na Grã-Bretanha.

Pensemos nas políticas para a banda larga. A Europa foi bastante bem sucedida na promoção da concorrência no ramo do acesso de banda larga, e isto impulsionou o crescimento desse mercado. Neste aspecto, os EUA foram um grande fracasso. O país, antes no topo do ranking de difusão do acesso via banda larga, ocupa agora uma posição que varia de 18ª a 28ª, dependendo dos critérios adotados. Essa mudança foi o resultado de políticas que prejudicaram a concorrência entre provedores de banda larga.

A resposta dos provedores de banda larga, trazidas por eles ao governo, fez que as leis os beneficiassem, destruindo os incentivos para que concorressem entre si de uma forma que estimulasse a difusão do acesso de banda larga.

O mínimo. Diante de exemplos como estes, é perfeitamente justo manifestar amplo ceticismo em relação às respostas oferecidas pelos governos democráticos modernos. Devemos alertá-los para que tomem cuidado com as soluções políticas apresentadas pelos titulares. Afinal, o trabalho dos titulares não é o mesmo que o trabalho do governante.

O trabalho deles, titulares, é buscar o lucro individual. O trabalho do governante é garantir o bem público. E é justo que afirmemos o seguinte: enquanto esse vício não for solucionado, devemos insistir no minimalismo em tudo aquilo que o governo fizer. O minimalismo a que Jarvis se referia quando falou em “não causar males”.

Uma internet que adote os princípios do acesso livre e gratuito, uma rede neutra, para proteger o ‘outsider’, o forasteiro. O futuro da internet não está aqui. Não é o Google nem o Facebook. Ele não foi convidado e nem sabe como ser, pois ainda não conhece em fóruns como este. O mínimo que podemos fazer é preservar a arquitetura dessa rede que protege este futuro que não está aqui.

/ TRADUÇÃO DE AUGUSTO CALIL

Ana Linnemann na Laura Alvim

2011-06-12T10:51:00.001-03:00

Curso Arte e cultura no Brasil – Crises e saídas

2011-06-07T12:41:00.001-03:00

Em seis encontros, o curso analisa como, ao longo do século XX, o Brasil constituiu para artistas e profissionais da cultura um campo autônomo de ação e criação, ligado ao mercado, à auto-gestão de recursos e ao Estado. As formas coletivas de atuação que, contra crises e falta de recursos, possibilitaram alguns dos modelos e soluções para os desafios do século XXI. De 7 a 12 de junho.

Arte e cultura no Brasil – Crises e saídas

professor Frederico Coelho
local Cinemateca do MAM
terças-feiras, das 18h às 20h
de 7 de junho – 12 de julho
inscrição R$50,00

ementa

O objetivo deste curso é, a partir de seis encontros, analisar como, ao longo do século XX, o Brasil constituiu para seus artistas e profissionais da cultura um campo autônomo de ação e criação – hora ligado mais ao mercado e à auto-gestão de recursos, ora ligado ao Estado. Ao mesmo tempo, pensar como esse campo autônomo desenvolveu uma série de formas coletivas de atuação que, sempre contra crises e falta de recursos, possibilitaram alguns dos modelos e soluções para os desafios do século XXI.

Coletivos culturais, rasura do papel do autor, investimento em “economias criativas”, todas essas experiências hoje em voga encontram-se espalhadas em outros momentos de nossa história cultural. Ao estudá-las, sempre faremos um diálogo com os desafios que encontramos hoje – uma época plena de possibilidades, meios e tecnologias e ainda carente de recursos e certezas profissionais.

programa

AULA 1 - Perspectiva geral do curso
História cultural brasileira e os desafios da arte no país ontem e hoje.

AULA 2 - Arte, técnica, reprodutibilidade
Texto de leitura: Walter Benjamin: “A obra de arte na era da reprodutibilidade técnica”.

AULA 3 - Modernismos e modernidades no Brasil
Textos:
- Oswald de Andrade: “Manifesto da Poesia Pau Brasil” e “Manifesto Antropofágico”.
- Eduardo Viveiros de Castro: “Entrevista”, in COHN, Sergio, REZENDE, Renato e CESARINO, Pedro. Azougue – edição especial 2006-2008. Rio de Janeiro: Azougue, 2008.

AULA 4 - Museus e Vanguardas: construtivismo brasileiro e renovação do sistema da arte

AULA 5 -Arte, cultura e dinheiro: como financiar a utopia?
Textos:
- Glauber Rocha: “Economia e técnica” in Revisão do Cinema Novo. São Paulo: Cosac e Naify, 2003, pp. 167-176
- Ronaldo Brito: “Análise do Circuito”, in Malasartes, n°1, 1975.
- Pablo Capilé: “Entrevista” (Articulador do Circuito Fora do Eixo), in: Produção cultural no Brasil. Rio de Janeiro: Azougue Editorial, 2011.

AULA 6 – Arte, cultura, web e tecnologia: impasses e saídas

bibliografia

A bibliografia a seguir será complementada ao longo do curso com outras mídias que podem surgir durante os debates.

AXT, Gunter e SCHÜLER, Fernando Luís (org.). Fronteiras do pensamento – ensaios sobre cultura e estética. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 2010.
BENJAMIN, Walter. Obras escolhidas – magia e técnica, arte e política. São Paulo: Brasiliense, 1994.
BEY, Hakim. Caos – Terrorismo poético e outros crimes exemplares. São Paulo: Conrad Editora do Brasil, 2003.
CANCLINI, Néstor Garcia. Culturas Híbridas – estratégias para entrar e sair da modernidade. São Paulo: Edusp, 2000.
CHACAL. Uma vida à margem. Rio de Janeiro: Sete Letras, 2010.
COELHO, Frederico. Eu, brasileiro, confesso minha culpa e meu pecado – cultura marginal no Brasil dos anos 1960 e 1970. Rio de Janeiro: Civilização Brasileira, 2010.
COHN, Sergio, REZENDE, Renato e CESARINO, Pedro. Azougue – edição especial 2006-2008. Rio de Janeiro: Azougue, 2008.
COHN, Sergio e SAVAZONI, Rodrigo. Cultura Digital.com.br. Rio de Janeiro: Azougue, 2010.
COMPAGNON, Antoine. O Trabalho da Citação. Belo Horizonte: UFMG, 2007.
JENKINS, Henry. Cultura da convergência. São Paulo: Aleph, 2008.
LADAGA. Reinaldo. Estética de La emergência. Buenos Aires: Adriana Hidalgo editora, 2006.
MORACE, Francisco (org.). Consumo Autoral – as gerações como empresas criativas. São Paulo: Estação das Letras e Cores, 2009.
PIRES, Ericson. Cidade ocupada. Rio de Janeiro: Aeroplano, 2007.
SERRES, Michel. Ramos. Rio de Janeiro: Bertrand Brasil, 2008.
ZARVOS, Guilherme. Branco sobre Branco. São Paulo: Ateliê editorial, 2009.

YÚDICE, George. A conveniência da cultura – Usos da cultura na era global. Belo Horizonte: UFMG, 2004.

Lançamento livro MOV + debate _ Parque Lage

2011-06-06T14:27:00.006-03:00

Na próxima quinta, dia 9/6, no Parque Lage acontece o lançamento do livro MOV e um breve debate com Frederico Coelho e Felipe Scovino. Segue abaixo o release.

MOV - Publicação bilíngue documenta a série de esculturas cinéticas do artista Raul Mourão

A série de esculturas cinéticas aa qual o artista plástico Raul Mourão se dedica desde 2010 acaba de ganhar um livro bilíngue. Em 87 páginas, a publicação reúne, entre fotos que mostram a evolução do trabalho que já foi exposto em três individuais e três coletivas no Rio, em São Paulo e Porto Alegre, uma apresentação do artista; a transcrição de uma conversa via Skype realizada entre ele, a curadora Maria do Carmo Pontes e o pesquisador Frederico Coelho; e textos escritos para as exposições individuais onde a série foi apresentada, por Jacopo Crivelli Visconti, Felipe Scovino e Frederico Coelho.

A série Balanços começou no final de 2009, quando a Intrépida Trupe esteve no ateliê do artista e levou esculturas da série Grades para a sala onde ensaiavam o espetáculo Projeto Coleções. "Semanas depois, ao visitar um dos ensaios, me deparei com duas esculturas balançando uma sobre a outra no meio dos improvisos que iriam definir a coreografia do espetáculo. De volta ao ateliê, resolvi fazer novas experiências reproduzindo aquele movimento, e isso detonou toda essa série de esculturas cinéticas registrada em MOV”, conta o artista.

Segundo o crítico de arte Felipe Scovino, as obras “têm compromisso com o diálogo; são lúdicas ao mesmo tempo em que impõem a constante do afeto. Se nos minimalistas, a produção tende a ser fechada em si mesma, impossibilitando um diálogo com o público, a não ser quando se coloca como ameaça ou obstrução, Balanços se projeta como território de passagens, incorporando tudo aa sua volta”.

Raul Mourão nasceu no Rio de Janeiro, em 1967, estudou na Escola de Artes Visuais do Parque Lage e apresenta seu trabalho desde 1991. Sua obra abrange a produção de desenhos, gravuras, pinturas, esculturas, vídeos, fotografias, textos, instalações e performances. Em 2010, sua recente série de esculturas cinéticas, que são objeto deste livro, foi exibida nas exposições individuais Balanço Geral, no Atelier Subterrânea, Porto Alegre; Cuidado Quente, na Galeria Nara Roesler, São Paulo; e Chão, Parede e Gente, na Galeria Lurixs Arte Contemporânea, Rio de Janeiro.

Elas também estiveram nas exposições coletivas Projetos (in)provados, na Caixa Cultural, Rio de Janeiro; Ponto de Equilibrio, no Instituto Tomie Ohtake, São Paulo; e Mostra Paralela 2010: A Contemplação do Mundo, no Liceu de Artes e Oficios, São Paulo.

MOV foi possível graças ao apoio do Programa Brasil Arte Contemporânea, da Fundação Bienal de São Paulo e do Ministério da Cultura e tem distribuição gratuita. Os exemplares serão distribuídos para profissionais do meio artístico, imprensa e instituições culturais do Brasil e do exterior. Após o lançamento, o livro será disponibilizado para download sob a licença Creative Commons no site www.automatica.art.br.

Projeto, produção e edição
Automatica
Coordenação editorial
Marisa S. Mello
Projeto gráfico
João Doria
Produção
Camila Goulart
Estagiária de producão
Luisa Hardman
Revisão
Duda Costa
Versão para o inglês
Paul Webb
Transcrição da conversa
Verônica Tomsic

Mc Fininho n'O Globo

2011-06-05T18:03:00.000-03:00

Peguei lá no site d"O Globo a matéria da Suzana Velasco que saiu no Segundo Caderno na sexta passada.

foto Leonardo Aversa

Artista plástico e compositor Cabelo une suas

duas facetas pela primeira vez em exposição embalada por baile funk

RIO - Se tudo que Cabelo faz, música e obra de arte, vem da poesia, MC Fininho é um de seus heterônimos. No lar do compositor de funks melódicos, o Estúdio Área de Lazer é um ambiente escuro, com desenhos em LED e lambe-lambes nas paredes, onde ele grava e toca suas composições. No resto da casa, ele espalha seus livros, CDs, LPs e as obras de arte de sua coleção, todas de autoria do artista plástico Cabelo. Fininho nasceu há alguns anos, mas, nas últimas cinco semanas, deu um pulo da infância à independência. Pois agora o MC entra em cena, na galeria A Gentil Carioca, onde vai se apresentar ao lado de convidados do mundo do funk, sábado, a partir das 17h.
A história começou a tomar forma há pouco mais de um mês, numa conversa entre Cabelo e o artista plástico Raul Mourão, seu amigo. Com uma data para expor na galeria e tomado pela música por conta da preparação de um CD - seu primeiro solo -, Cabelo criou 11 funks em uma semana. E, junto com Raul, que se tornou o curador da mostra, concretiza o primeiro projeto em que une suas facetas de artista visual e compositor, "Cabelo apresenta: MC Fininho e DJ Barbante no Baile Funk (Gentil) Carioca". A música volta e meia aparece em suas obras, porém como um elemento pontual. Agora, ela vai tomar um tanto do espaço da galeria. Sobretudo no dia da abertura, quando, num grande baile funk, Fininho será o destaque.

- A exposição é um bônus - brinca o artista.

O palco montado na Rua Gonçalves Ledo receberá os DJs Artur Miró, Saens Peña, Alex MPC e Nado Leal, que vai fechar o bailão tocando clássicos do funk. No meio da programação, às 19h, Cabelo, ou MC Fininho, vai cantar cada uma de suas 11 parcerias compostas com os tais convidados para a mostra - unidos sob a alcunha de DJ Barbante -, e que um estúdio montado na galeria vai executar nos outros dias de exposição. O time de músicos e DJs que o MC conseguiu reunir em poucos dias mostra seu prestígio: Sany Pitbull, Berna Ceppas, Kassin, Lucas Santtana, Marcelo Callado, Marcelo Lobato, Ricardo Imperatore, Leo Saad, Rafael Rocha, DJ Nepal, Jongui e Monjope, além do artista visual que trabalha com música Paulo Vivacqua. Mérito de Cabelo, que transita pelo mundo cultural carioca e não tem problemas com o improviso. Pelo contrário.

- O funk também tem esse tempo imediato, direto. É cru, simples, não tem um primor de acabamento, assim como minhas obras visuais, em que eu tenho a liberdade de me apropriar de qualquer coisa, do pão, do inseto que mexe no pão... Meu trabalho surge muito do improviso, a coisa acontece na hora. Não faria sentido essa exposição ser muito planejada - diz.

Com exceção da "Melô do bombeiro", cantada por Ana Tsunami (a atriz Ana Abbott, que também estará no baile), os funks são todos interpretados por Fininho. Apesar da crueza da batida, as letras são bem-humoradas, menos densas que suas obras visuais, ácidas e contundentes. Como conta Cabelo, essas obras também costumam ser criadas em regime de urgência, em "empreitadas". Seu ateliê, em Copacabana, é repleto de elementos adormecidos: rodas de skate, espelhos, pinturas, anotações, desenhos, letras de música. De repente, acontece uma combustão:

- Meu ateliê é o instante.

Para Raul, a faceta musical de Cabelo é a oportunidade de mostrar uma leveza que o meio das artes desconhece, um senso de humor presente na vida do artista e em suas canções. Não é de hoje. Em 1998, Cabelo gravou o CD "Abracadabra" com o grupo Boato, criado no início dos anos 1990, entre a poesia falada, a performance e a música. Teve um projeto de disco que Lulu Santos começou a produzir, mas não foi adiante. Pedro Luís, Cidade Negra e Ney Matogrosso gravaram músicas suas. Agora, o artista-compositor prepara um CD, que deve ser lançado no fim do ano. Segundo ele, será um disco de >ita

- Tem samba, muita música dançante. São dez faixas, old school - diz Cabelo. - Tenho um modo simples de compor. Minhas músicas têm dois, três acordes. Quatro é jazz.

Não foi simplesmente a imersão na produção do disco que impulsionou o formato da exposição. Cabelo já tinha um projeto de CD de funk, mais um de seus elementos adormecidos. Já escrevera trechos de letras, alguns usados nas novas composições. E estrofes que remetiam ao Miami bass, o batidão que influenciou o funk carioca, já permeavam a obra "Mianmar miroir, the corridor", apresentada em 2006 na feira Miami Art Basel, e no ano seguinte na galeria 3+1 Arte Contemporânea, em Lisboa.

Além de resgatar a faceta musical, incorporada por Fininho, será uma oportunidade de ver a obra visual de Cabelo, que não tem sido muito mostrada no Rio. Sua última exposição na cidade foi em 2007, na Galeria Paulo Fernandes. Na mostra da Gentil Carioca, que agora também representa o artista, internacionalmente inclusive, há pinturas, desenhos e objetos antigos, além de obras criadas para a coleção do MC, como desenhos com versos dos funks e dez serigrafias em lambe-lambe, suporte que costuma ser usado na divulgação dos bailes.

- O Fininho ganhou muito dinheiro e passou a investir nas obras do Cabelo - brinca o artista.

Manifestando poesia

Cabelo despontou nos anos 1990, com um trabalho em que o corpo sempre esteve presente, e no qual já criava personagens, como o Pastor das Sombras. Nos últimos anos, levou suas performances ao exterior, como "O marujo mascate", apresentada em 2008 na feira Arco, em Madri, com seres se arrastando pelo chão, entre eles um anão. No ano passado, fez uma performance na inauguração de "No jardim dos jardins ambulantes", no Carpe Diem, em Lisboa, que contou com três rappers brasileiros que Cabelo conheceu nas ruas da cidade. Foi o curador do espaço português, o brasileiro Paulo Reis, morto em abril deste ano, que organizou e escreveu o texto do livro que Cabelo lançou pela editora Dardo em maio na feira SP Arte, em São Paulo. Ele será lançado no Rio no dia 30 de junho, na Livraria da Travessa de Ipanema.

- O funk é uma das manifestações mais originais do Rio, e tem sido massacrado. É uma cara rejeitada da sociedade rejeitada, considerada agressiva. Mas, se não houvesse o funk, o Rio estaria muito mais violento - diz Cabelo.

Seja na música ou na obra de arte, Cabelo, que transita entre as diversas cenas culturais cariocas e mistura tudo sem hierarquias - poemas de Rimbaud, melôs e performances densas -, só quer dar ritmo à poesia.

- Tudo que faço é uma forma de manifestar poesia. O poeta é um sismógrafo, capta as frequências do mundo e as transforma - afirma ele, que, esbelto, diz ter passado por apenas uma transformação para incorporar o MC Fininho. - Tive que emagrecer dez gramas.

Cabelo + Mc Fininho n'A Gentil Carioca

2011-06-02T12:20:00.002-03:00

Conheci Cabelo nas oficinas de desenho da Escola de Artes Visuais do Parque Lage em 1988 e ele já tinha naquela ocasião uma atuação múltipla, participando de saraus de poesia, ensaios de bandas de rock e outras experimentações. De lá pra cá participamos de exposições coletivas no Paço Imperial (Novos Noventa em 1994 e Os 90 em 1999), na Mostra Paralela 2010: A Contemplação do Mundo - Liceu de Artes e Ofícios, São Paulo entre outras. A exposição Cabelo apresenta Mc Fininho e Dj Barbante no Baile Funk (Gentil) Carioca que assino a curadoria é nossa primeira parceria pra valer. Mc Fininho é um personagem fictício para dar voz a persona musical de Cabelo que está muito presente na vida cotidiana dele e que é desconhecida do público que acompanha apenas sua produção visual. O texto abaixo estará no catálogo da exposição junto com outros de Frederico Coelho, Felipe Scovino e Silvio Essinger. A exposição inaugura no próximo sábado com um baile-show celebrando o Funk Carioca, a programação é a seguinte:
17h Dj Artur Miró

18h Dj Saens Peña

19h Show com Mc Fininho e convidados

20h Dj Alex MPC

21h Dj Nado Leal

É tudo mentira - Raul Mourão, maio de 2011

É tudo invenção da cabeça de Cabelo. Mc Fininho não existe na vida real, é um personagem fictício, funkeiro ancestral, animador de bailes, pesquisador musical, antropólogo das biroscas, repórter das vielas e florestas e compositor de funks. DJ Barbante, seu parceiro, assistente e responsável pelas bases musicais, não existe também. É um personagem coringa que esconde os inúmeros parceiros. É tudo ficção. Cabelo saiu de sua cabeça e deixou entrar Fininho, que depois tomou conta de seu corpo também. Pessoas diferentes habitando a mesma mente. Troca de personalidades, caboclos, entidades, espíritos do além, forças do bem.

Na verdade a ideia da exposição funk-carioca de Mc Fininho e DJ Barbante n'A Gentil começou no Cabidinho, bar 24hs que não fecha não na esquina da Mena com a Paulo Barreto. Era um grupo grande e animado ocupando algumas mesas depois da exposição do Afonso Tostes na Lurixs, Cabelo me contou que tinha uma data marcada na Gentil e que queria injetar música na exposição. Partimos para a Lapa com Dado Amaral no carro para uma apresentação-relâmpago do saudoso grupo Boato. No bar Arco Íris Cabelo retomou a conversa sobre a exposição na Gentil e sugeri que ele incorporasse Mc Fininho ao repertório. Cabelo respondeu enfático: “Vamô fazê” _ e no dia seguinte esquecemos do assunto. 2 dias depois a ideia da exposição de Mc Fininho e DJ Barbante me voltou com força, liguei e convoquei Cabelo para debatermos o assunto. Nos encontramos no ateliê dele na Souza Lima na segunda dia 2 de maio e também na terça.

Matutamos e matutamos e ficou decidido que Frederico Coelho escreveria a biografia não autorizada, Felipe Scovino um texto crítico e Silvio Essinger faria uma palestra com trilha sonora sobre a breve história do funk carioca e nos deixaria também um texto. 11 parceiros seriam convocados a compor funks a partir de letras do Mc Fininho. Uma exposição com as coisas, sons e pensamentos de Fininho ocuparia a Gentil dividindo o espaço em 2 ambientes: a Caxanga de Fininho (lar/morada/dormitório/sala de estar) e o Estúdio Área de Lazer (onde o Mc grava suas músicas, recebe amigos e organiza pequenas festas). Na inauguração da exposição um grande baile/show em homenagem ao funk carioca na rua em frente à Gentil. Farra e festa. E provocação e nonsense. No final da terça, 3 de maio, começou um jogo novo e aberto, com poucas regras e muito improviso.

Os dias se passaram com o relógio em contagem regressiva atazanando nossa rotina. Um pavio curto e aceso com uma bomba no final. 11 funks produzidos em 1 semana no estúdio Jaula do Vampiro, do Rafael Rocha, no Monouaural, do Kassin e do Berna, e no computador de cada parceiro. As músicas chegaram por email. Versões, letras, correções. Imagens, vozes, Aninha Tsunami, compassos e descompassos, BPMs por telefone, arquivos wav, microfones, reverbs, dubs e cachaça. O funk ganhou vida e forma. Virou real num território de fantasia pura. Depois chegou a hora das pinturas, desenhos, objetos e fotografias. Mete tudo na kombi e parte pra Gentil. Uma parede vermelha e outra preta, um desenho luminoso aparece na última hora, uma televisão toca funk (Telefunk-en?), máquina de fumaça, cartaz lambe-lambe, fotografias da Dani Dacorso, o vídeo documentário “Favela on Blast”, do Leandro HBL, e o “Cante um funk para um filme”, do Emílio Domingos e Marcus Faustini.

Sempre enxerguei fúria, raiva e violência na obra do Cabelo. Agora vejo também graça, humor, festa e farra, e também raiva e fúria como sempre. Divirtam-se com a exposição de Cabelo/Fininho. Celebração da vida, do afeto pelos amigos, da alegria e contra a arte pobre, chata e medíocre que assola e emburrece nosso tempo.

PS: Fininho manda avisar que o bagulho está só começando. Ano que vem vai rolar o primeiro Festival Fininho de Funk Carioca, a TV Fininho transmitindo 24hs de funk, disco na praça, músicas no rádio, shows pela cidade e os produtos de cama, mesa e banho...

La Caja Negra na Pinta - London

2011-05-31T15:54:00.000-03:00

Lucia Koch na Silvia Cintra Box 4

2011-05-31T13:18:00.000-03:00

CABELO E Mc Fininho n'A Gentil Carioca

2011-05-30T01:30:00.002-03:00

Quebrando o tabu

2011-05-30T01:29:00.000-03:00

Segue abaixo a coluna do André Urani que saiu hoje no DIA. Urani é economista, presidente do Instituto de Estudos do Trabalho e Sociedade (IETS) e escreve semanalmente n'O DIA.

Quebrando o tabu

Descriminalizar as drogas: este é o mote de “Quebrando o tabu”, filme estrelado pelo ex-
Presidente Fernando Henrique Cardoso (e produzido, entre outros, por Luciano Huck), que
estréia, em circuito nacional, nesta sexta-feira.

O tema é polêmico, mas a causa vem ganhando mais e mais adeptos. FHC está cada vez mais
envolvido com ela, a ponto de presidir a Comissão Global de Políticas sobre Drogas, da qual
também participam, entre outros, os ex-Presidentes César Gavíria (da Colômbia), Ernesto
Zedillo (do México) e Ruth Dreifuss (da Suíça), o ex-Comissário para as Relações Exteriores
da União Européia, Javier Solana, e os escritores Carlos Fuentes e Mario Vargas Llosa. Nosso
Governador, Sérgio Cabral, manifestou-se a favor, logo que assumiu seu primeiro mandato.
A Presidente Dilma não se manifesta muito sobre o assunto, mas parece ser contra, uma vez
que não hesitou em demitir, logo no início de seu governo, o Secretário Nacional sobre Drogas,
Pedro Abramovay, quando este declarou ser favorável à descriminalização dos “pequenos
traficantes”.

A clivagem não é entre esquerda e direita ou entre caretas e doidões. Defender a
descriminalização não significa fazer a apologia do uso ou do tráfico de drogas; o ponto de
convergência dos que se alinham nesta frente do debate é o reconhecimento do fracasso de
políticas meramente repressivas, como a guerra contra as drogas comandada pelos EUA nas
últimas décadas. Se a idéia é a de incentivar a redução do consumo, os recursos seriam muito
melhor empregados se fossem direcionados à educação e ao combate à dependência. Ou seja,
se o tema fosse tratado como uma questão de saúde pública, e não de polícia.

Alguns países, como Portugal, Itália, Espanha e Alemanha, têm realizado avanços importantes
nesta direção. Com resultados interessantes. Aqui no Rio, como em outras grandes cidades
brasileiras, poderia ser um elemento a mais da estratégia de diminuição da violência em curso.
Dada a visibilidade internacional que teremos por conta dos grandes eventos, poderíamos
assim contribuir para dar um maior peso a esta questão no debate político mundial, e assumir
um papel de relevo neste debate.

Vergara no espaço MULTIPLO

2011-05-23T11:30:00.000-03:00

VERGARA LIBERDADE PARQUE LAGE

2011-05-18T11:58:00.000-03:00

MOV na SP arte

2011-05-16T21:10:00.000-03:00

Mc Fininho vem aí! Baile/Show/Exposição n'A Gentil Carioca - 4 de junho

2011-05-09T22:21:00.000-03:00

Lurixs na SP Arte

2011-05-09T20:14:00.002-03:00

Rivane na Travessa

2011-05-09T20:08:00.001-03:00

RoncaRonca 5 anos na Oi FM

2011-04-29T14:49:00.001-03:00

Saiu na FactMag o texto do Bernardo Oliveira sobre a festa de logo mais de 5 anos do RoncaRonca na Oi Fm...

Amanhã, 29 Abril, o radialista, DJ, fotógrafo e jornalista Maurício Valladares, o popular Mau Val, comemora 5 anos do programa Ronca Ronca na rádio Oi FM com uma festa no Cordão do Bola Preta, no Rio. A festa conta com a participação de um dos grupos cariocas mais bacanas da atualidade, o Do Amor. O aniversário também será marcado pelo lançamento oficial do compacto em vinil de 7” Ronca Ronca ao vivo, com shows de Tulipa Ruiz, Otto, Cidadão Instigado e Do Amor (que pode ser baixado neste link).

Trata-se de uma celebração da maior importância para aqueles que admiram, gostam, trabalham e vivem ligados de alguma forma à música no Brasil. Não somente pela celebração, mas pela relevância do trabalho de Mau Val para a música no Brasil – tanto em relação à música produzida, como também pelo alargamento do ambiente sonoro e da tolerância à diversidade musical. Exagero? Vejamos.

No final dos anos 80, antes da internet, do mp3, dos podcasts e de todo o contexto digital que nos circunda, a pesquisa musical não era um trabalho simples. Lojas de discos, locadoras de CD e programas de rádio nos informavam o que acontecia no mundo – considerando o mundo segundo o prisma das grandes gravadoras, isto é: Europa e EUA, com reservas.

Basta dizer que não tínhamos nenhum álbum do Funkadelic lançado no Brasil em 1992. Nem Fela Kuti, nem Robert Wyatt. E pouquíssima coisa de Zappa, Stooges, Lou Reed. Sem contar a própria discografia de música brasileira, que se encontrava desprovida de títulos fundamentais como Mutantes, Jacob do Bandolim, Moreira da Silva ou Novos Baianos.

No início da década de 90, costumava escutar o programa Radiolla, na Globo FM, um verdadeiro oásis no contexto indicado acima. Pela primeira vez pude escutar uma faixa inteira do Funkadelic – o que parece uma piada, diante das condições de hoje. Mas, logo em seguida, a surpresa maior: Mau Val emendou uma faixa da cantora brasileira Clementina de Jesus.

Foi um choque. Como alguém se atrevia a juntar no mesmo bolo o funk psicodélico e o samba de partido-alto? E isto em plena rádio brasileira pós-80, sitiada pelos interesses das multinacionais, setorizada de acordo com estes mesmos interesses? Pois bem, Mau Val costuma surpreender seus ouvintes com inserções improváveis, apostando na música, sem distinções preconceituosas de épocas e gêneros, com a mesma paixão.

Trabalhou em uma porção de jornais e revistas, como o Jornal da Música e o Jornal do Brasil, cobrindo música basicamente. Na década de 80, na saudosa Rádio Fluminense FM, foi o primeiro a tocar demotapes de artistas como Legião Urbana, Plebe Rude, Biquini Cavadão e Paralamas do Sucesso, que mais tarde formariam o BRock (rock brasileiro). Programas de rádio, fez alguns, como o Ronca Tripa, na Panorama FM, e, a partir de 2000, o Ronca Ronca, que comemora 5 anos em sua nova casa.

Minha tese parece improvável, mas assumo: Mau Val foi um dos responsáveis pelos rumos tomados pela música brasileira nos últimos 30 anos, particularmente em relação à música do sudeste brasileiro. Sem sua intervenção, sem seus programa de rádios, sua militância artísitica, tolerância e sede pelo novo, certamente essa produção seria outra. Nos resta dizer longa vida ao Mau Val e parabéns pelo aniversário.

Festa Ronca Ronca

Centro Cultural Cordão do Bola Preta

Rua da Relação, 3, Lapa (2240-8049).

R$25. 18 anos. Cap.: 800 pessoas.

6ª, às 21h.

Bernardo Oliveira

Edu Coimbra na galeria Nara Roesler - SP

2011-04-28T18:58:00.000-03:00

abertura/opening
05.maio.2011 - 19h>23h
may 5th, 2011 - 7pm>11pm

exposição/exhibition
06.maio > 04.junho.2011
may 6th > june 4th, 2011
seg/mon > sex/fri -- 10h>19h
sab/sat -- 11h>15h

Sempre interessado no espaço e na paisagem, Eduardo Coimbra traz à Galeria Nara Roesler seus trabalhos recentes e intriga uma vez mais o espectador com uma arquitetura insólita, neste caso, a “arquitetura do jogo”.

Na exposição, maquetes, objetos e desenhos subvertem a lógica, fazendo com que seus significados tomem outras direções. Como apontado por Agnaldo Farias por ocasião da exposição Do Conceito ao Espaço, realizada no Instituto Tomie Ohtake (2003), com suas intervenções em espaços públicos (maquetes), Coimbra “estilhaça as fronteiras de cada um destes territórios, demonstrando que a obra de arte é um objeto que traz aos olhos do espectador aquilo que até então ele não imaginava ser possível pensar”.

Logo na vitrine da galeria, Coimbra cria um objeto plano, Piscina - construído com um mosaico de azulejos -, que da rua parece tridimensional, iludindo os passantes pela trama da profundidade. Em Estádios, três maquetes trazem jogos inventados pelo artista, sempre com uma dinâmica espacial em que o “público” da arquibancada inserido no trabalho, participa também da “jogada”. Os campos têm composições distintas: um com labirintos, outro com a superfície inclinada e o terceiro dividido em dois quadrados. Já na maquete Bairro, dois quarteirões são vistos de cima - paisagem aérea que fixa telhados com duas águas.

Entre os objetos que compõem a mostra está Escotilhas, série formada por três peças criadas a partir de janelas de navio, mas sugerindo os holofotes de piscinas, cuja luz projeta três imagens distintas do interior de piscinas. Já Dados, par de dados espelhados de 66 cm com furos quadrados indicando os números, traz a galeria para dentro da obra ao criar um jogo de espelhos.

Em outra obra, Dan Descendo a escada, uma referência ao artista francês Daniel Buren, Coimbra trabalha o desenho e a tridimensionalidade ao construir uma escada com listras e espelhos, criando a sensação de “uma escada dentro da escada”. Outros dois trabalhos da exposição travam um diálogo entre o desenho e o objeto, fazendo surgir imagens em 3D instigantes que, assim como os desenhos de Escher, brincam com a ordem das coisas.

O texto Escotilha para outra idéia de espaço que Adolfo Montejo Navas escreveu para o catálogo da exposição está lá no site da galeria.

Tonho Croco no Odisseia

2011-04-26T18:31:00.000-03:00